Enrico Coniglio

PASSAPAROLA - 2003
Interview by Luca Francioso

Il più veloce e potente mezzo di trasporto, nella storia del mondo, è la musica. E il più misterioso. Nemmeno il più sofisticato degli aerei è in grado di portarci, in così breve tempo, in luoghi lontani, sognanti e così diversi nello stesso momento.

Questo mese stacchiamo il biglietto per un viaggio molto suggestivo, alla scoperta di un talentuoso compositore di musica "ambient", Enrico Coniglio. L'ho incontrato nel suo studio, a Venezia, per parlare del suo primo cd, "Grammatologia", edito dalla padovana Velut Luna, e ne è venutà fuori una piacevole e arricchente chiaccherata, da cui è emersa la sua forte sensibilità e il suo amore per questo mondo musicale. Se siete pronti al decollo, dunque, allacciamo le cinture. Si parte.

Come ti sei avvicinato alla musica "ambient" e quali sono i tuoi riferimenti?
Ho cominciato ad apprezzare questo genere di musica grazie ad artisti come Robert Fripp e Brian Eno, anche se provengo da esperienze di rock progressive.
Ad essere sincero, però, non so se realmente faccio musica "ambient", perché questo genere di musica dovrebbe "arredare" le stanze e i luoghi senza essere invadente e senza richiedere un ascolto così attento, rimanendo in sottofondo.
La mia è musica di atmosfera, ma è piuttosto una ricerca sonora che richede con molta forza l'attenzione di chi ascolta.

Cosa vuol dire "Grammatologia", e perché hai chiamato così il tuo disco?
"Grammatologia" è un neologismo del filosofo del 900, Jacques Derrida. Questo termine definisce una ricerca poliedrica di stile in un genere specifico, una sorta di grammatica personale sul genere. Questo lavoro è un percorso molto largo sulla musica "ambient", ho sperimentato diversi stili e varie soluzioni, e mi è sembrato che "Grammatologia" fosse il titolo più adatto.

Cosa cerchi di esprimere con la tua ricerca sonora?
Lo scopo di una ricerca è sempre rivolta ad una crescita interiore e la mia è una ricerca molto profonda, spirituale. Cerco di esprimere le strade che sto percorrendo attraverso il genere di musica più vicina alla mia indole.

La tua musica è molto emozionante. Bellissimo è anche il brano composto dal pianista Guido Marzorati, "Hypnopedie". Come nasce la sua collaborazione?
Non riesco a parlare di collaborazione con Guido. Siamo nati musicalmente insieme e abbiamo condiviso tutte le nostre esperienze musicali. Ho voluto che partecipasse attivamente al progetto, proprio per questa reciprocità che ci lega.

Come intendi promuovere "Grammatologia"?
Non è facile promuovere la musica "ambient", sia per la difficoltà di suonarla dal vivo sia per la pigrizia con cui si ascolta la musica oggi. Cercherò di muovermi negli ambienti giusti, magari in un contesto di arte contemporanea. Staremo a vedere.

[Luca Francioso]




home info releases reviews radio usaghi photos contacts & gigs words soundcloud	reviews LEVIUS WORLD Read the interview here. [Mirco Salvadori] DIALOGUE ONE E. Coniglio/Under the Snow - Silentes 2011 CHAIN D.L.K. I already had evidence about Enrico Coniglio's skills as a landscape musical painter since the times when he issued Topofonie on the Irish label Psychonavigation, a sort of transposition of Venice lagoon, his inspiring birthplace, whose musical "encoding" perfectly sticked to the best ambient and contemporary classical standards thankls also to some important featurers such as Hans-Joachim Roedelius and Nicola Alesini (to mention just of a few of them). In the following releases he just confirmed such an attitude as well as his preferences for wintry suggestions and glacial sonorities and his particular approach to ambient music based on a combination of concrete elements which are often wrapped up in warm or ethereal melodic blankets reoccurs in this split release co-signed by the Italian project Under The Snow for a "dialogical" series of recordings marked by Silentes label. The first of the four tracks signed by Enrico looks like something close to a field recording grabbed by a microphone placed in the middle of a winter windy night or the bugging of an electrical storm, a white noise turning solid, interrupted by occasional sounding lead's bleeps and sputters. You can enhance the listening experience by imagining that Enrico's initial above-described track, titled "Long Distance", is just the necessary musical foreword whereas all the crevices, the sonic ripples, the slight chinks on an imaginary drift ice by whom the composer violates the apparent uniformity of an arctic pack ice become the gates for the following psychedelic breezes's gushing: on "Calls of the White", Rachele's delicate trilling (some of you could think to a sort of quote of vangelis' "Rachel Song") mingles with the entrancing gusts of sonic winds, whose crystalline exhalation make that voice similar to an angelic chant while the gentle sonic melting of "Century Dome" and the harmonic flood of the final "Kingdom Of Her", whose lithe undulations could sound similar to the ones by Fennesz, properly highlights the intimate beauty of this mental journey over icy landscapes. The second half of this record signed by the Italian duo made up of Gianluca Favaron and Stefano Gentile (owner of Silentes): their explorations are equally catching, even if considerably less "enraptured" and more restless than the ones offered by Enrico Coniglio. They prefer to unify different moments of their digging into one very long track they titled "Resonant Cuts", but they choose to run on an imaginary ascending path as well so that the dim lights where they look like roaming a subterranean world under layers and layers of snow (!) rich of many fascinating and disquieting moments, gradually get radiant and radiant. [Vito Cammaretta] KATHODIK Premetto che non conoscevo Enrico Coniglio, né Under the Snow (duo composto da Gianluca Favaron e Stefano Gentile), e non sono particolarmente ferrato in fatto di musica ambient, per cui ho ascoltato il lavoro con curiosità, aumentata dall'elegante confezione del CD. Forse favorito dal mio amore per il "grande Nord", dal fatto di aver visitato una terra magica e lunare come l'Islanda, o semplicemente a causa dell'inverno appena sopraggiunto, ho ben recepito i suoni e le suggestioni trasmesse dall'opera; ascoltando il CD non è difficile immaginare e rivivere gli scenari musicali ispirati dal freddo e dal ghiaccio, come lapidariamente riassunto in una nota nel retro della copertina: "This album is inspired by cold and frost". Per un'ora circa (equamente suddivisa tra Enrico Coniglio e Under the Snow) si viaggia verso lande gelide e imbiancate ma, ancor più, si ha l'impressione di fluttuare tra gli elementi primordiali della natura, in primis quelli liquidi e gassosi. Il viaggio prosegue per concludersi, senza brusche interruzioni o cambi di direzione, nella quinta e lunga traccia realizzata dal duo Under the Snow, che in circa 30 minuti racchiude una vera e propria opera musicale completa. Non poche sono anche le suggestioni cinematografiche, che in particolare rimandano all'immaginario lynchiano e di registi dalle simili attitudini oniriche e sospese. In definitiva, 'Dialogue One' non sarà forse un disco sconvolgente, ma nel sottoscritto ha sortito un suo effetto, non ultima la curiosità di approfondire il lavoro musicale degli autori e, perché no, attendere un 'Dialogue Two'. [Luca Brecciaroli] KULTURTERRORISMUS "Dialogue One", the first split work of Unter The Snow, who are Stefano Genile and Gianluca Favaron and Enrico Coniglio comprises nearly an hour of suggestive "border" music, equally divided between the relaxing and ambient atmospheres contaminated with experimental elements created by Enrico Coniglio, and the low-fi/rough sounds and atmospheres crafted by Under the Snow. Not so different but with a more dramatic, dense and hypnotic doom - built on deep drones stratifications, often hard and cutting, with a wide collection of noises, electronic hassles, opaque whispers and concrete moments... A perfect joint-venture, a mix among two different music projects that gather coherence and inspiration to "sustain" a split album that showcases a not to be missed fusion of styles among the involved artists, oriented on parallel patterns, clearly increasing the value of their own personal and somehow different sonic directions. Dialogue One - an excellent mixture of drones, ambient and music concrete, which invites for mind cinema of its best, is available as cd on Silentes. [MACU] ONDAROCK La prima uscita della serie di split album dell'etichetta Silentes vede protagonisti il compositore veneziano Enrico Coniglio e il nuovo progetto collaborativo di Stefano Gentile e Gianluca Favaron, Under The Snow. Comune la matrice concettuale sottesa a "Dialogue One", parzialmente diverse le interpretazioni rese dagli artisti impegnati a rendere in suono la propria declinazione di quell'ambient ghiacciata con la quale Coniglio si era cimentato già nel progetto Aquadorsa. L'ora scarsa di musica, equamente ripartita tra i protagonisti di questa condivisione a tema, vede Coniglio offrire un contributo di quattro tracce a cavallo dei sette minuti di durata, nelle quali saturazioni magmatiche e movimenti particellari descrivono affilate fenditure ghiacciate ("Long Distance") e una miriade di screziature, crepitii e folate ipnotiche conferiscono riflessi più limpidi ed evanescenti a profonde astrazioni droniche, saltuariamente sporcate di rumore. Tutt'altro che uniformi e anzi assai vitali, le composizioni di Coniglio permangono niente affatto aliene da un'emozionalità molto umana, peraltro ben testimoniata dai vocalizzi distanti di "Calls Of The White" e dalla più evidente emersione armonica di "Kingdom Of Her". I quasi ventotto minuti firmati Under The Snow consistono invece di un'unica lunga traccia ("Resonant Cuts"), pur frazionabile in più segmenti, che muovono da un iniziale universo di suoni in espansione, per poi immergersi in saturazioni nebbiose e field recordings distanti, giustapposti secondo un piglio più asetticamente sperimentale e infine svaporanti in un finale di luminose derive interstellari. [Raffaello Russo] MIRCO SALVADORI's quote "Il bardo Coniglio ed i due abitanti del ghiaccio", così si potrebbe chiamare la nuova produzione della Silentes dedicata al suono di ricerca. Il musicista veneziano si produce in quattro tracce che proseguono nel cammino iniziato tempo addietro, quattro storie nelle quali la componente ambient si esplica utilizzando la ricerca e la sperimentazione disseminata uniformemente attraverso tutto un percorso che si espande lungo una distesa nella quale il candore del noise assume sembianze di dronica infinità e la quiete dell'animo si trasforma nel flusso sonico in divenire. Diverso è l'approccio che Stefano Gentile (owner della Silentes) e Gianluca Favaron hanno in veste di ricercatori. Il loro vagare sotto la neve si sintetizza in una suite dalle sembianze più cupe e solitarie, quasi un vagare affamato alla ricerca dell'espressività sonora più adatta incrociando sibili in frequenza e loop alla deriva in una desolata, fredda distesa. "Cold and Frost"... [Mirco Salvadori] AUDIODROME Sul veneziano Enrico Coniglio ci siamo soffermati spesso, ormai, mentre Under The Snow è progetto relativamente nuovo, considerato che dietro a esso si celano Gianluca Favaron e Stefano Gentile, cioè il label manager Silentes, una delle migliori realtà che abbiamo in Italia, capace di gettar luce su tutta una serie di sound artist locali di gran pregio. Enrico mostra una mano sempre più sicura nel costruire tracce ambient e sperimentali: qui propone una cupa e severa "Long Distance", una sognante e roach-iana "Calls Of The White", che sarebbe stata buona anche per i suoi trascorsi su Glacial Movements, poi tocca a "Century Dome" e "Kingdom Of Her", che congiungono un passato fennesziano ad alcune suggestioni heckeriane. Vario e maturo, ora ci si aspetta l'album che lasci la cicatrice profonda, in una discografia di assoluto rispetto. Gli Under The Snow costituiscono una felicissima sorpresa: una mezzora gelida, tesa, con drone che entrano pian piano sottopelle, voci sussurrate che creano confusione, in un classico lento crescendo di volume e minacciosità, seguito da un progressivo spegnimento e un colpo di coda finale. Un progetto da seguire, dunque, e un dialogo (uno) da ascoltare con grande attenzione. [Fabrizio Garau] FURTHER NOISE The Italian ambient scene has been blessed with an evolving group of labels that reached cult status worldwide, valiant producers like Umbra and Glacial Movements. One of the pioneers, the Amplexus label and its spinoffs eventually became Silentes and its spinoffs, who continue to document a large spectrum of contemporary Italian electronica composers. The most recent album on their primary label is the first in an announced series of split releases with the electroacoustic duo Under The Snow, aptly entitled Dialogue One. Here their partner is Venetian phonographer and sound artist Enrico Coniglio. The exact nature of the dialogue is unspecified, but the album's inspiration, corroborated by the photos adorning the cover art, is specifically "cold and frost." For many listeners, invocation of cold and frost may conjure featureless, bleak winterscapes, exemplified by Berlin artist Thomas Köner or the Arctic photographs adorning the album covers from Glacial Movements. But winter in Scandinavia is very different from winter in northern Italy, where the snow softens the angles of the houses, changes the contour and color of the roads, and blends the forest into a dappled white. Breath and condensation from the inside observers fog the windows, removing another layer of focus. So also the music on this album. Enrico Coniglio's four short pieces that open the album are abstract and static, almost like excerpts from installations. Transitions between material, sometimes even between tracks, can be abrupt, with textures alternating between harmonic, rolling electronic drones and more noisy organic textures. Pops and buzzes coalesce into a steady filtered noise, like a jet engine, on "Long Distance," and glitch electronics become prominent near the end of "Century Dome." The cavernous reverb and expansive spectral registers, assisted by ethereal vocal contributions from 'Rachele,' make "Calls of the White" a more obvious, and ominous, harbinger of winter. Underneath all of the electronic haze remains a melodic core that retains a wistful poignancy characteristic of much of Coniglio's work. If Coniglio's pieces are frosty snapshots, the single long piece from Under the Snow is the narrative of the season. From the opening murky sonic territory to its conclusion with a suggestion of a harmonic resolution, "Resonant Cuts" is a series of environments that evolve within themselves, gradually creating large scale transitions. Some of the scenes include whistling winds and voices snatched from the ether, and the overall effect is a restless searching with a little touch of sinister. Many of the sounds reminded me of bowed or brushed cymbals and various other percussive gestures, but the group's website credits only guitar, field recording and processing. Whatever the sources, "Resonant Cuts" is an impressive long form piece that bodes well for the series. [Caleb Deupree] BLOW UP TEXTURA Italian composer Enrico Coniglio enhances his reputation considerably with two outstanding new releases, one a solo cassette-based affair and the other a split work with Under The Snow. Out and About, the Hypnos-released work Coniglio recently produced in collaboration with Emanuele Errante and Elisa Marzorati under the Herion name indicated that the music Coniglio was creating had advanced to a higher level of refinement, and these latest releases provide additional confirmation of same. Coniglio's four tracks on Dialogue One don't differ radically in style from those on I, though the former are in spots perhaps louder and more texturally wide-ranging. Next to no details are provided about sound sources (save for a thanks to Rachele for lending her voice to "Calls of the White") so once again impressions must be based on listening, pure and simple. One of the recording's most attractive aspects is the contrast between Coniglio's four tracks (all of which are in the seven-minute vicinity) and the twenty-eight-minute opus by Under The Snow duo Stefano Gentile and Gianluca Favaron. Coniglio's "Long Distance" largely presents itself as a monotone stream of electrical sputter and fuzz that might very well have started out as an outdoors field recording, though a modest array of musical pitches do penetrate the track's rippling fog during its final minutes. Rachele's aforementioned voice is transformed into ethereal exhalations of angelic character during the comparatively soothing "Calls of the White," while the gaseous "Century Dome" inhabits an equally celestial sphere before plunging into a prickly bath of seasqualls and electrified smears. The generous running time of "Resonant Cuts" gives Under the Snow ample opportunity to play with its lab equipment and to do so unhurriedly. As a result the piece grows ever more hypnotic as its myriad sounds accumulate, and the listener quickly surrenders to the music's organic flow of lo-fi electro-acoustic sounds and extreme juxtapositions. Burbling voices, echoing bell tones, wheezing harmonicas, and grinding motor engines swim in a seething and always dense mix that experiences multiple twists and turns during its abstract journey. In short, Dialogue One shows Coniglio and Under the Snow to be kindred spirits of the first order. THE SILENT BALLET The grass is growing, the flowers are blooming, the leaves are sprouting, and the women of the town are wearing shorts. What a sumptuous time is spring, when the south wind pushes the salt air from the bay to the olfactory nerves. The brutal winter is but a distant memory, and - wait, what's this? An album inspired by cold and frost? Noooooooo! The following statement is a compliment, although it will require an explanation. Listening to this album in mid-May feels wrong. But because it feels wrong, it's clear that the artists involved got it right. Too many winter-themed albums claim to be about the cold, but reflect the season only through cover art. This split disc is the real deal. Enrico Coniglio's field recordings were made at a glacier on the Pale di San Martino (here's a cool photo for proof!), while Under the Snow's wind and rain were captured in the Dolomites (specifically, Falcado). The latter duo (Stefano Gentile and Gianluca Favaron) stirred in the sound of found tapes salvaged from Italian flea markets, and all three artists added guitar and processing. The result: a winter album that actually sounds like winter. The purest, most unadorned sample arrives at the end of Coniglio's "Kingdom of Her": the sound of footsteps in the snow. I'd have placed this sample at the beginning of the album, but in its current spot, it neatly separates Coniglio's half-hour from that of his counterparts. Coniglio's contribution is a lovely quartet of processed ambience. Opener "Long Distance" is the album's grittiest piece from start to finish, boasting a low avalanche rumble, a funneled, single-speaker drone, and static that sounds initially like snow and eventually like radio interference. The track brings to mind the best of BJ Nilsen, specifically his work on Fade to White. It's one of Coniglio's finest compositions, holding back any glimpse of recognizable musicality until its final 90 seconds, then ending in a swift retreat. His other tracks are more tundra-like, the sound of an aftermath more than that of an impending storm. A voice is credited on "Calls of the White", so processed that it sounds like another instrument, or perhaps a hapless traveler caught in white-out conditions. The artist's final high point arrives in the closing minutes of "Century Dome", as a sheet of field recordings is laid atop a bed of ambience, then removed to reveal a hidden layer of electronics: a sharp technique that deserves further investigation on future recordings. Under the Snow's "Resonant Cuts" is a fine companion to the preceeding tracks. Although it is clearly the work of a different artist, it occupies the same timbral region and helps the split to function as a whole. Distinguishable notes are present from the start, along with the same static that haunts Coniglio's work. A sleepy wind begins to blow, carrying spectral voices in its grime. Foreign objects rattle like trinkets pinned to a shed. Rustles and shimmers vanquish the guitar strings; the wind reappears at a higher frequency. By the midpoint, ambience is abandoned for drone, an extremely effective maneuver that connects "Resonant Cuts" to "Long Distance", unifying the album. Enrico Coniglio and Under the Snow have created an album that belongs to winter. This isn't the sound of gentle flurries, but of bifrost and all the danger it entails. It's not an album for noon, and certainly not for summer, but those in the Southern Hemisphere may find that its timing fortuitous. Dialogue One's locational authenticity will guarantee its durability; I'll be visiting it again when the first frost falls. [Richard Allen] AMBIENTBLOG.NET I first learned about Enrico Coniglio on the "Underwater Noises" compilation and from there found his fascinating "Salicornie (Topofonie Vol. 2)", dedicated to the city of Venice. Compared to "Salicornie", this latest release, "Dialogue One " is quite different: one hour of abstract soundscapes and mutually attracting opposites. "Dialogue One" is a 'split' project with Silentes label artists Under the Snow (Stefano Gentile (guitar, field recordings) and Gianluca Favaron (field recordings, processing)). Although there is no 'dialogue' between the artists in the tracks itself - the first four tracks are performed by Enrico Coniglio, while the last, performed by Under the Snow, 'takes up the other half of the album - "Dialogue" is a title well chosen. All tracks show a caleidoscopic display of sounds that seem to be quite different but merge very well. It's a dialogue between harsh and soft sounds, hi-fi and lo-fi, sawtooth and sinus, shouting an whispering, comforting and frightening. But, different as they are, all parts adds up to a fascinatingly coherent universe of electronic sounds. [Peter van Cooten] VITAL WEEKLY Enrico Coniglio is a recent busy man when it comes to releases reviewed in Vital Weekly. His split CD with Under The Snow is, how appropriate, 'inspired by cold and frost'. Now I am very glad winter time is over and spring has arrived, and I was mistaken with 'Long Distance'; is this really Coniglio? On a low rumble noise base? Luckily in the other three pieces he is more on par with his usual ambient atmospherics of electronics, guitars and effects. 'Kingdom Of Her' is the nicest out of four, moving from mighty cliched synths to radio active fall out crackles. Under The Snow, a duo of guitar and computers, of Stefano Gentile and Gianluca Favaron, have one piece that lasts twenty-seven minutes, even when they move through stages inside the piece. More nicely processed guitars, which seem to have disappeared in the battle of zeroes and ones inside the computer. Nice enough I guess. [FdW] OLTRE IL SUONO Spilt album che vede protagonisti Enrico Coniglio, di cui, sempre in "casa" Silentes, abbiamo già recensito il recente "Sea Cathedrals", e Under the Snow, nuovo progetto collaborativo di Gianluca Favaron (già metà dell'altro progetto "Lasik Surgery" insieme a Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra) e Stefano Gentile, della cui musica avevamo potuto fino ad ora avere soltanto un piccolo "assaggio" nell'uscita su cassetta siglata semplicemente "W", parte integrante di una collana di 26 tapes di vari artisti (tra cui anche Enrico Coniglio) pubblicata da Silentes Tapestry (Collezione del Silenzio - Free Interpretations of Silent Sounds). Le prime quattro tracce del CD, firmate da Enrico Coniglio, sorvolano i territori di un'ambient music abbastanza "classica", dalle sonorità morbide ma profonde, dall'andamento quieto e dilatato, seppure abbastanza abbondantemente "sporcate" di suoni di matrice più "rumorosa" e sperimentale, quindi sibili, scricchiolìi, fruscìi, crepitìi, talora di origine elettronica, talora derivanti da registrazioni ambientali, sovrapposti o alternati a rumori concreti, naturali o di imprecisate attività umane. Quindi un' unica lunga traccia di Under the Snow, che pur percorrrendo sentieri "paralleli", evidenzia approcci e sonorità che da una parte palesano un'impronta di carattere più sperimentale che non più tradizionalmente ambient, e dall'altra, per contrasto, si ricompongono intorno a strutture compositive più tese e drammatiche, sfociando talora in atmosfere e passaggi dal coinvolgente e prepotente sapore cinematico. Un album/dialogo di sicuro fascino e vivamente consigliato, nel quale Enrico Coniglio propone una musica che è sicuramente al vertice rispetto a quanto prodotto dallo stesso in passato, e nel quale Under the Snow inizia a "segnare" con un'impronta abbastanza definita e riconoscibile il proprio stile e l'interessante percorso sonoro che questo nuovo progetto ha appena intrapreso. [Giuseppe Verticchio] I E. Coniglio - Silentes 2011 CHAIN D.L.K The format placement of this release under cassette class is not a mistake, as this sonic stuff coming from the talented Venetian composer Enrico Coniglio's archive belongs to an interesting series on tape by the label Silentes, whose Collezione del Silenzio project is going to associate each issue (hand-numbered and strictly limited to 100 copies) with each letter of the alphabet in order to give voice to the visions of silence by some of the most renowned Italian electornic music producers, such as Fabio Orsi, Maurizio Bianchi, Giancluca Becuzzi, Simon Balestrazzi, Under The Snow and Opium. The first thinning by Enrico sounds like a drone, whereas the typical swish of the tape merges with expanded frequencies, ghostly voices - whose presence seems to suggest that silence is sometimes a so unknown dimension that it could be thought as coming from another world - and tolls of a sort of nylon guitar, which turns gradually louder into a kinf of chorus which emphasizes the immersive sound experience. Even if the one on A-side is a very powerful ambient-drone suite, I prefer "I"'s B-side as it sounds more chilling: some nice noisy tears have been wisely inserted into what appears to be the recording of a white noise radio transmission and softer sounds close to that sonic intertwining proposed by some musicians devoted to the concept of the so-called staedtizism such as Kit Clayton or Jan Jelinek. One possible and impressive way to point out the evidence silence is something to be listened to. [Vito Camarretta] TEXTURA Italian composer Enrico Coniglio enhances his reputation considerably with two outstanding new releases, one a solo cassette-based affair and the other a split work with Under The Snow. Out and About, the Hypnos-released work Coniglio recently produced in collaboration with Emanuele Errante and Elisa Marzorati under the Herion name indicated that the music Coniglio was creating had advanced to a higher level of refinement, and these latest releases provide additional confirmation of same. He's a natural fit for Silentes Tapestry's Collezione Del Silenzio project, which involves allocating the twenty-six alphabet letters to a corresponding number of Italian experimental acts (Fabio Orsi & Flushing Device, Under The Snow, Maurizio Bianchi, and others). The music, issued in cassette tape format (hand-numbered and limited to 100 copies), is designed to capture the artist's vision of silence, and Coniglio's impressive two-track result shows him to have elevated his sound-generating abilities to a new level of sophistication and sensitivity. I have no details about sound sources in this case but presumably guitar, electronics, and digital treatments form at least part of the originating materials. Regardless, the two long-form pieces--seventeen and nineteen minutes, respectively--find Coniglio creating elegant swathes of deeply textural ambient-drones that develop with assurance and deliberation. Coated in soft layers of hiss, wave-like masses drift in slow-motion, sometimes with subtle hints of industrial noise creeping in to expand the drones' dimensional character. Though the material is primarily concerned with textural depth as opposed to melodic development or narrative trajectory, it's immersive nonetheless, the second piece especially, which brings its textural elements--crackle, smears, rumbles--into even sharper relief than the first. Muffled horn tones billow on the distant horizon as near-phantom presences, while metallic shapes surge insistently amidst a thick stream of crackle and hiss. The piece as a whole exudes a nebulous and ghostly quality that only makes it all the more satisfying as listening material. AMBIENTBLOG.NET Another Coniglio release (also on Silentes) is part of a cassette series called "Collezione Del Silenzio " : 26 audiocassettes (one for every letter in the alphabet) containing "Free Interpretations of Silent Sounds". For this series, Coniglio takes care of the letter "I" with two tracks, resp. 16:43 and 18:52 in length. Backed with the familiar analogue hiss of the cassette tape, Coniglio slowly unfolds his drones. In this almost industrial hiss, it is hard to distinct his sound from the carrier's distortion. There's a lot of clicks and short eruptions, as if the tapes catches environmental radiation in sound. It's a fascinating array of sounds, always changing, always moving on. For those that can feel the vibe, silence simply does not exist. [Peter van Cooten] VITAL WEEKLY Luckily there is Enrico Coniglio to bring back ambience and ambient into the room. More the kind of music I expect from this series. Coniglio is a member of Herion and recently (see Vital Weekly 769) had a solo CD reviewed. Here he stays in ambient land with both feet firm in the ground. Glacial like tonal drifts on side A, and on side B, low humming bass sound hovering closely over the surface. Whereas its unclear what the soundsources are on the first side, the second side seems to have heavily processed guitars. It sounds altogether made in the digital domain, which may take a bit of warmth away... certainly a delight to hear. [FdW] OUT AND ABOUT Herion (E.Errante, E.Coniglio, E. Marzorati) - Hypnos 2010 ROCKERILLA Anche se non li conoscessi di persona, al di là del loro esser guardiani dell'irruenza tenue dell'animo, capirei da subito con chi ho a che fare. Bastano pochi minuti d'ascolto e l'universo del Vero Sentire si spalanca diritto al centro del cuore. Emanuele Errante, Enrico Coniglio, Elisa Marzorati e Piergabriele Mancuso: Herion. Quattro artisti con formazioni diverse, quattro musicisti impegnati nel difficile compito di trasmettere quel sentimento quasi dimenticato che si chiama emozione. Se qualcuno si aspetta sonorità di derivazione prettamente ambient-elettronica è meglio si fermi sull'uscio lasciando la porta socchiusa perchè qui dentro si celebra il rito antico della musica classica che danza e si immerge dentro le nuove sperimentazioni e lo fa attraverso l'uso di un pianoforte, una viola, un'armonica, una chitarra e delle tastiere, tutti strumenti che abbinati all'uso delle macchine e del field recording vanno ad ascrivere questa release come una delle più belle produzioni modern/classic mai ascoltate ultimamente. Un'opera che trova ragione d'essere e fa esplodere tutta la sua forza descrittiva proprio attraverso il contrasto delle parti: da una parte Errante e Coniglio, manipolatori di suoni incastonati dentro un laptop e dall'altra la Marzorati e Mancuso con i loro struggenti strumenti di romantico fulgore. Son certo che quell'uscio ora è completamente spalancato per lasciar scorrere questo..."immobile agitarsi del suono dentro un unica goccia di immaginario, mentre il delicato fluire delle cose freme, specchiandosi nel silenzio". [Mirco Salvadori] FURTHER NOISE Italian composer Giacinto Scelsi once claimed that a sound played for a long time "becomes so big that you start to hear many more harmonies, and it becomes bigger inside...[and] envelops you." And there are times during Out and About when Emanuele Errante, Enrico Coniglio, Elisa Marzorati and accomplices seem to be exploring their more celebrated compatriot's notion, albeit in a smaller scale setting. The trio known as Herion's instruments float and flit around a single tonal centre in a semi-structured post-chamber music, an occidental raga, each track seeming to seep into the next creating a whole flow, accruing effect from its predecessor. Out and About may strike as slightly unfamiliar territory for long-established ambient and space music curators, Hypnos, but at heart there is congruence in this affiliation, and head Hypno-tist Mike Griffin has done well to refresh the imprint's in-house stylesheet without compromising its musical mission. Neither 'Ambient' nor 'Space' at first sight, the recording's refined blend of live instrumentation with subdued digital manipulations reveals itself a kindred spirit, as Herion's melding of post-classical sonorities with an expansive remit issues in a kind of spatial chamber music with shifting cadences which might be designated 'post-ambient'. Marzorati's piano motifs, mixed with Coniglio's melodica, harmonica, and treated guitar, all commingle sonorously in Errante's settings, seen to good effect on the keynote "One Minute After the Sunset." The classical influence is never felt in any turgid or grandiose gestures, the music's movements graceful and lilting, shifting subtly between blithe and melancholy. "Risvegli" finds glistening strings and piano peregrinations in incantatory communion. In "Two Minutes to Sunrise" tension comes from an ebb-flow motion that builds coalescing as if to climax but remaining teetering teasingly on the edge of resolution. Evident in all this is Errante's sleight of hand in choreographing these delicately interwoven soundscapes, his facility in harnessing production methodologies to synthesize acoustic and electronic to optimal effect; it's as if it's his pleasure to leave instruments free to frolic self-consciously before gently dissolving them, or washing them lightly in a mercury of digitalia. While piano, viola and guitar all play cameo roles on Out and About, it's the spirit of the ensemble, and the skilled design of its assembling that are the stars of Herion's quiet drama. [Alan Lockett] HYPNAGOGUE REVIEWS What we have in Herion's Out and About is a work that is ambient chamber music in every sense of the term: spatial, intimate, classically based. Strip away the subtle wash of electronics that Emanuele Errante and Enrico Coniglio whisper beneath piano from Elisa Marzorati and viola by Piergabriela Mancuso, and what's left is a rich bed of beautiful compositions for traditional acoustic instruments. (Besides their laptop work, Errante and Coniglio also add strings, guitars and more.) One of the best compliments I can pay Herion is to say that I'd listen just to those elements, sans electronics, and still firmly enjoy the disc. With the opening track, "Oxg," Herion establish their acoustic-drone base, the metallic rasp of the strings adding not just a texture to the sound, but an equal sense of emotional warmth and humanity. It's part of the real beauty of Out and About-the way in which we're intermittently reminded, as the disc goes along, that the sounds aren't all circuit-born. It's a good reminder, since it's easy to lose sight of that as Herion quietly wrap you in smooth sound-ribbons. There's a lot to like here, and much of begins with Marzaorati's piano work. Her playing is sweet, graceful and impeccable, whether it's thoughtfully wandering through Errante and Coniglio's misty landscapes ("One Minute Before the Sunrise"), holding a polite dialogue with a sighing harmonica ("Cab"), dropping like forgotten tears ("Lindos"), or giving itself over to electronic treatment to capture a sound-image ("The Hanging Glacier"). The disc closes with her playing alone on the appropriately titled "Solo," and it's a standout moment on an excellent disc. And while her playing is central to Out and About, it's the atmospheres that Errante and Coniglio craft around her and Mancuso that give the whole thing an amazing depth and a touch of the ethereal. The worlds are perfectly blended on the dramatic "Moske Orgulje," with all elements adding their voices in balance. From start to finish, Out and About moves from moments of soulful serenity to breathtaking beauty. Its organic roots run deep to ground the listener in the moment and the experience. Out and About is a Hypnagogue Highly Recommended CD. AMAZON (customer's review) For me, this is like "dreams came true" project, because it features Enrico Coniglio and Emanuele Errante who are resoponsible for some remarkable ambient solo albums released during the last few years, with some guest appearances of Elisa Marzorati, highly respected pianist. Now these three extremely talented musicians are teamed up in Herion project and landing on Hypnos. You can't go wrong with that, but I think this collaboration was as much exciting and challenging also for Hypnos as it marks new direction for this label thanks to Herion's ambient strongly influenced by classical music with the use of many acoustic instruments. Even if quite new territory to Hypnos, it fits more than perfectly to them. Thanks to virtuosity of all three members plus highly notable performance on viola by Piergabriele Mancuso, "Out And About" is absolutely beautiful, evocative, intimate and warm collection of compositions masterfully bridging filigree acoustics with gentle amount of electronics and field recordings. Perfectly crafted in every detail and even if quite minimalistic at times, always very expressive and effective in keeping the attention of each listener during the each of 46 minutes. The opening "Oxg" immediately elevates the album into untouchable heights and will never step down during the next 9 compositions. Absolutely splending mix of piano, viola, harmonica, melodica, rainstick with some synthesized sounds. Angelic beauty is not measurable, but it's certainly called "Oxg". Just the same could be said on melancholic "Lindos". Dreamy "Cab", "One Minute After The Sunset" and "The Earth" recall all your hidden memories while "Moske Orgulje" and "The Hanging Glacier" get more darker and tense. Cheerful "Two Minutes To Sunrise" and moody "Risvegli" and "Solo" close the album with all their tranquillity. I already used a lot of superlatives, but I still don't get enough when listening to this sonic pleasure, Herion can be easily described after Suspended Memories as another "Ambient Supergroup" and Emanuele Errante, Enrico Coniglio and Elisa Marzorati are the rising stars of ambient genre and bringing some new fresh wind to it. A pure masterwork!!! [Richard Gürtler] TEXTURA Though the Italian trio Herion boasts Emanuele Errante, Enrico Coniglio, and Elisa Marzorati as its members, the outfit is clearly more than the mere sum of its parts, especially when their multi-instrumental contributions to Out and About are complemented by the luscious viola playing of Piergabriele Mancuso. The trio members themselves function as a veritable mini-orchestra, with Marzorati's piano playing augmented by the guitars, strings, harmonica, synthesizers, melodica, field recordings, and laptop processing of her colleagues. What results is a richly detailed and rewarding collection that's often affectingly plangent in tone, not to mention stirring. Herion's electronically enhanced chamber music is artful without being precious and soulful to boot, and a quiet emotional sensitivity colours the album's forty-six minutes in a way that helps distinguish the recording from the competition. Marzorati plays in an impressionistic and restrained manner that's in keeping with the meditative character of the album's ten pieces, while the wistful quality of the melodica often creates a mood of longing. Errante and Coniglio typically fashion silken webs of multi-faceted design against which the contrasting voices of Marzorati and Mancuso resound. That's never more apparent than during "Two Minutes To Sunrise" when the piano flickers and viola shudders amidst a gleaming backdrop of fluttering detail. Elsewhere, an ambient setting, "Oxg," inaugurates the album splendidly, with the serenading wheeze of the melodica and harmonica punctuated by piano chords, synthetics, and the drone of the viola. Pairing its melancholy cry with Marzorati's gentle sprinkle and a rich backdrop of textures imbues "Lindos" with a pastoral beauty that elevates the album. A slightly darker tone pervades "Moske Orgulje" when an underlying metronomic rhythm, punctuated by the viola's interjections, urgently nudges the material forward. One final contrast surfaces when Marzorati's given the spotlight during the peaceful, album-closing "Solo." While there is a subtle ambient dimension to Out and About that's in keeping with Hypnos releases in general, Herion's music aligns itself more closely to a style one might call 'chamber electronic-classical.' Regardless of labels, the album is a distinguished collection of enchanting mood settings that again speaks highly for the strong reputation Hypnos has acquired throughout its history. SONIC IMMERSION "Out and About" is the debut release of the Italian trio Herion, and at the same time also marks the first release in digipak format on the Hypnos label. The members of the ambient-glitch project Herion are Emanuele Errante (composer of the peculiar album "Humus" on Evan Bartholomew's Somnia label), Enrico Coniglio (Aqua Dorsa project collaborator with Oophoi for the album "Cloudlands", he also released "Sea Cathedrals" solo on Silentes), and Elisa Marzorati. Next to synthesized sounds and patches, the musicians also implement field recordings, guitars, harmonica, melodica, bells, gong, rainstick and piano on "Out and About". These versatile elements make the sonic outcome venture in more acoustic territory while remaining comfortable, highly moody and atmospheric. It's an introspective and rather melancholic affair though, as the instrumental music slowly progresses in a classical, minimal but also blissful manner. The sensitive undercurrents within the ambient compositions make it even more intimate, evocative and reflective. This is music for the silent hours deserving close listening. The beautiful art of ambient music already has many expressions, "Out and About" adds another dimension to it. [Bert Strolenberg] PAUL VNUK's quote I wanted to make sure I gave this album a number of spins before commenting, plus its always a strange balancing act to review a CD on label, when you yourself are on the label as well, but anyway...in simple terms, I freaking love this cd. It is one of the few new ambient albums in the past 3 or 4 years to truly grab my attention and excite me. When I hear discs like this I start feeling like ambient/space/electronic music is actually vital again. OK so why? Well for me this disc combines 3 key elements that I find essential for me as both a musician and a music fan. 1. The music acknowledges tradition In other words, this CD moves back to and hints at the paradigms set up by early EM pioneers like Eno. It also hints at older minimalist classical works like the old school electronic music practice of not creating electronic music with synthesizers, but instead using electronics and effects to make acoustic instruments sound electronic. It moves nicely beyond the stereotypical drone and reverb drenched "same old same old" that has been dominating our genre for the better part of the decade. All of this to say that this CD has a healthy dose of retro coolness to it without being copy catish, and that is what makes it sound fresh and modern. 2. Its real Again, I love the fact that these are real acoustic instruments for the most part. This also means that microphones and "air" where involved. This was a recording project, not simply an in the box capture and render project. For me this adds a vibe and space to this album that would not be possible with soft synths, loops and or samples. Not that those types of records cant be done well, it just allows this one to be set apart into a different sonic landscape. Also, these are real players/musicians and as such this album has a language to it that would have been harder to achieve with programing, again another one of its unique points for me. 3. Tradition be damned Similar to part 1, but this is just a good cd of (capital M) Music that happens to be ambient and spacious with twinges of processing and treatments, rather than being an ambient or space music album. Ok, so is it perfect? I am not saying this is the greatest album of all time or anything like that, but man is this a breath of fresh air and nice new avenue for Hypnos and our genre in general. I know nothing about the musicians on this recording, but Nice Job guys!!! [Paul Vnuk] VITAL WEEKLY Probably there aren't many groups on Hypnos: this ambient label usually releases albums by artists who work alone on their electronic, ambient music, but Herion is a group, a trio from Italy, with as its members Emanuele Errante, Enrico Coniglio and Elisa Marzorati (the latter of whom I never heard). Two firm names from the strong Italian ambient scene. The instruments at their disposal includes not just things with keys and knobs, but also field recordings, guitars, harmonica, bells, gong, rainstick, piano plus a guest role on some of the pieces by Piergabriele Mancuso on viola (or perhaps all tracks?). This gives the album a great quality, breaking away from the traditional ambient music, and expanding into the world of classical music with all these acoustic instruments. Especially the violin plays a strong role in defining that classical sound. The music here is pretty strong. Definitely moody and atmospheric, but also quite warm and acoustic. I was reminded of the CD by Modern Institute on Expanding Records (see Vital Weekly 518), which was also, curiously enough, Italian. A highly refined work. SALICORNIE - topofonie vol.2 Enrico Coniglio - Psychonavigation 2010 BLOW UP L'opera di indagine dei paesaggi sonori di Venezia intrapresa da Enrico Coniglio in una serie di progetti e pubblicazioni in serie, tra le quali il recente "Songs from Ruined Days" (Spire/Touch), conosce un nuovo episodio con le "Salicornie". Questa volta però, la rilettura dei luoghi della città natale dell'autore non avviene attraverso la lente del field recording nudo o quasi, ma in una rievocazione, a tratti magniloquente, romantica e decadente, a tratti animata da uno spirito documentaristico inesorabile, nutrito di curiosità entomologica per voci e piccoli angoli di città, in cui alle registrazioni d'ambiente si sovrappongono una serie di partiture strumentali per tromba (Arve Henriksen) e pianoforte (Gigi Masin). Ma c'è anche la chitarra dell'autore, a fare a tratti da contrappunto a queste topofonie veneziane, in una mescolanza di bozzetti ambientali (Angels of San Marco), flussi di pulsazioni minimali (Alper Tower Vol. 2), riverberati interludi strumentali (Salicornie, Interlude, per pianoforte e violoncello), cupe immersioni nei fantasmi ambientali (Fondamenta Nove incl. 130 s.m.l.) o filiformi suite texturali (Pastor et nauta). Un lavoro ricco di spunti, complesso per costruzione perchè interiorizza impressioni e tonalità assai variegate, amalgamate però da una visione coerente in cui il paesaggio acustico si mescola a quello del ricordo e della suggestione fotografica in un quadro d'insieme affascinante e lungi da ogni possibile vagheggiamento oleografico. [Leandro Pisano] VITAL WEEKLY Over christmas I was zapping away at the idiot box called TV, and I fell into a live concert of Andre Rieu, The Netherlands best selling music export product, who conducted Maurice Ravel's 'Bolero', rendering it just below five minutes. What a shame. It was almost as bad as Eric Random half-hearted attempt on his 'Earthbound Ghost Need'. The 'Bolero' also pops up in the title track of this new CD by Enrico Coniglio, who is a 'guitarist, environmental sound recordist and sound artist' and his album is dedicated to the city of Venice. It uses sounds from the carnival of that city, as well as music by Coniglio, who also plays synthesizers, bells, breathes, radio, toy glockenspiel, mini gong, glasses, farfisa mircorgan, clavietta, harmonica psalterium and 'a plenty of other little stuff', and gets help of trumpeter Arve Henriksen, pianist Gigi Masin, cellist Patrik Monticelli and field recordings by Nigel Samways. Its been forty or so years since I visited Venice (as a little boy of five years old), so I don't recall any of that, and all I know from Venice is what I read or heard about it. Coniglio, recently getting more and more active, is a man of ambient music, with a strong sense of both ends of the musical spectrum: on one hand the pop end, and on the other the classical end, especially when he uses his guestplayers. Over the weekend I was reading a book on Brian Eno, meanwhile playing some of his records and this morning I thought I was still listening to Eno, when in fact I had moved on to Enrico Coniglio. A similar interest in using real instruments playing melodic tunes, the addition of field recordings of sea sounds, from the Laguna of Venice obviously, and sometimes more abstract electronic soundscapes and sounds from an acoustic source. It's all quite pleasant music, and Coniglio keeps his music concise and to the point. I am not sure where Ravel's 'Bolero' fits into an album about Venice, but its nice to hear it in this new context. As you may have guessed, the music is not alarmingly new in the world of ambient music, but Coniglio does a great job. Relaxing, easy music, but with enough bite to be noticed - not as disposable as Eno would have thought ambient to be... [FdW] CLASSICAL-DRONE Read the review here. [Caleb Deupree] AMBIENTBLOG.NET Most ambient music deals with more or less imaginary landscapes -like, for example, the two compilations recently reviewed: "Hidden Landscapes" and "Underwater Noises". This is definitely not the case for both Topofonie albums by Enrico Coniglio (who also contributed to the Underwater Noises compilation), that are inspired by Venice and its lagoon . "A polymorphic portrait of what Venice is today, one moment decadent and melancholy, then romantic, rowdy, colourful and chaotic. Postcard of a thousand postcards, photos of a thousand photos..." But, just as Venice is not like any other city in the world, Salicornie (and its predecessor: Areavirus ) is not like any other 'ambient' album. "Enrico Coniglio (1975) is a musician with an interest in the aesthetic aspects of the landscape. Starting from his curiosity in experimenting within tonal variation of ambient and atmosphere music, with a particular referral to the soundscape of the Venetian lagoon, his music aims at investigating the loss of identity of places and the uncertainty on the evolution of the territory." Triggered by his track on "Underwater Noises", I noticed some of the artists Coniglio has worked with. An impressive list, with names like Joachim Roedelius, Emanuele Erante, Oophoi, Janek Schaefer and Arve Henriksen. Arve Henriksen's heart-melting trumpet marks the opening title track of the album, quietly introducing the rhythm pattern sampled from Ravel's Bolero. Using this emphatic rhythm on an album that can (partially) be classified as an 'ambient' album is of course a remarkable statement in itself. Apart from 'ambient' music, this album also includes 'jazz' music ('Usaghi Blues'), and quite a lot of 'environmental' recordings ('Angels of San Marco' ). Some of the tracks, like"The Girl from Murania" would do very well in a movie soundtrack. Coniglio's instrumentation,which defines the overall sound, is considerably different from most recent ambient-electronic albums: "Farfisa MircOrgan, clavietta, harmonica, psalterian and a plenty of other little stuff." Like the city it is dedicated to, Salicornie is definitely worth multiple visits. By the way: of course it's best to check it out together with its 2007 predecessor "Areavirus - Topofonie Vol.1". [Peter van Cooten] SENTIREASCOLTARE Se artisti come Fennesz rielaborano l'ambient in micro-porzioni di elettronica che si accavallano per generare un nuovo tessuto sonoro, musicisti come Enrico Coniglio vanno in tutt'altra direzione, scegliendo invece la scenografia e la narrazione come linguaggio privilegiato. Nessuna vena sperimentale o tendenza avanguardista, insomma. Semmai lentezza e sviluppo nell'ottica di una musica rarefatta ma profonda, capace di giocare con le suggestioni che nascono dall'unione di classica, jazz e looping. In Salicornie: Topofonie Vol. 2 (seconda puntata di una serie di opere ispirate alla laguna di Venezia) si sommano chitarre minimali, pianoforti, violoncello, tromba, organi, glockenspiel, mini gong, synth e field recordings (il vociare e le campane in Angels Of San Marco, le funi che si tirano e il legno di Fondamente Nove Incl. 130 cm s.l.m.). Per dar vita a un'opera "suonata" che ha un sapore orchestrale tutto particolare, nel suo essere disciplinata, corposa (settanta minuti per tredici brani) e a conti fatti piuttosto conservatrice. [Fabrizio Zampighi] AMAZON (customer's review) Except the collaboration with Oophoi on outstanding Aqua Dorsa "Cloudlands" album, the work of Enrico Coniglio remained unknown to me for a very long time. Shame on me!!! With several albums released on Psychonavigation, Silentes and Velut Luna, Enrico returns here with exciting sound collage dedicated and influenced by the magical city of Venice. Painted with all the essential colors of Enrico's home city, we are experiencing here all the beauty, majesty and entertainment of Venice. Compositions on "Salicornie" are as much colorful as it is everyday's life of this city. Enrico, who uses variety of instruments, "other little stuff" and numerous field recordings, is joined by guests (Arve Henriksen, Gigi Masin, Patrik Monticelli and Nigel Samways) on trumpet, vocals, synths, piano, cello, loops ... who are adding to his already colorful textures another fresh wind of sounds and moods. After boiling all these ingredients together, we get here a quite eclectic acoustic ambient based journey full of joy and attraction. Sunny and cloudy, happy and sad, loud and calm, celebrating and relaxing, majestic and simple..., "Salicornie" is a "live" postcard from Venice, a must have not only for every fan of experimental ambient, but also for all those who have ever experienced this wonderful city. I guarantee all your memories will relive once again!!! Molte grazie to Enrico and all his guests, this is a pure magic!!! [Richard Gürtler] SURU - Druska gyvenimui Read the review at www.suru.lt [Marius Vortex] ROCKERILLA "AMBIGUITA' DI UNA MAGIA ISPIRATRICE A RISCHIO D'ESTINZIONE", a special monograph on the city of Venice edited by Isabella Rivera. Contributions by Serena Nono, Enrico Coniglio, Gigi Masin, Mirco Salvadori, Lorenzo Isacco. Photos by Donato Gagliano and Isabella Rivera. Go to the PDF here. ROCKERILLA Dipingere le mille sfumature di una città unica al mondo usando un colore che profuma di Ravel con decadenti mescolanze vocali un tempo appartenenti a Steven Brown e compagni. Questa la prefazione ad un racconto costruito magicamente con il suono e con i suoni: quei rumori, quelle voci, quei momenti di vita che solo un microfono binaurale sa fermare e rendere vivi per sempre, ascolto dopo ascolto. "Salicornie" è la rincorsa senza speranza di un romanticismo che ancora trasuda dai muri in rovina di una Venezia oramai trasformata in un desolato ed abbandonato parco giochi acquatico, un'alternanza tra sogno e realtà esplicitata in modo magistrale attraverso il suono nel quale vengono inseriti i fields che appartengono alla realtà quotidiana: fotogrammi continui che trasportano l'ascoltatore fin dentro una Piazza San Marco gremita all'inverosimile di varia umanità travolta dall'eco di una Marangona (l'antica campana) che tutto annienta con il suo fragore, un maestoso riverbero che nasconde il sottile malessere creato dalla modulazione data alle sirene dell'acqua alta o dal lento e ripetitivo strepitio della corda che segue l'andamento delle onde mentre stringe l'imbarcazione alla fondamenta. Rumori/suoni di vita alla deriva che vengono colorati con la maestria di autori quali Arve Henriksen alla tromba, Gigi Masin (che offre il suo splendido 'Blue Venice' in free download dal sito della label) al pianoforte, Patrik Monticelli al cello, con i loops di Nigel Samways e soprattutto con il sentimento, strumento maestro nelle mani di Enrico Coniglio. [Mirco Salvadori] ONDAROCK Dai luoghi della memoria post-industriale di "Songs From Ruined Days" alla memoria di luoghi conservati in un cristallo musicale, Enrico Coniglio prosegue le sonorizzazioni di un ipotetico percorso in una Venezia vagheggiata o scomparsa, tanto nelle cattedrali industriali abbandonate quanto nelle cartoline romantiche e atemporali di "Salicornie", secondo volume delle "Topofonie", inaugurate nel 2007 con "Areavirus". Non è nuovo il legame del compositore veneto con la sua città, così come non lo è il suo intento di "riempire" di suono i luoghi, anziché semplicemente descriverli; e in questo senso i quasi settanta minuti di "Salicornie" incarnano l'essenza stessa di luoghi, suoni e frammenti sospesi in un altrove temporale e rappresentati in miniature astratte, realizzate a mezzo dei consueti filtraggi e manipolazioni di field recordings ma anche attraverso un articolato impianto strumentale, che comprende la tromba di Arve Henriksen e il pianoforte di Gigi Masin. Non più solo saturazioni, dunque, ma un ritorno a un ampio spettro compositivo, che trae l'abbrivio da mesmeriche intersezioni con fiati e pianoforte per confezionare, appunto, topofonie più o meno estese, avvolte da un fascino arcano, romantico e decadente al tempo stesso. "Salicornie" rappresenta infatti una fedele narrazione musicale dell'essenza e della storia di luoghi, momenti e tradizioni, che ora si innalza in progressioni graduali, supportate da una qualche forma ritmica, ora si rifugia in liquide profondità ambientali, appena solcate da pulsazioni e screziature minimali. Sotto il primo profilo, sono già emblematici gli otto minuti della title track iniziale, la cui solennità pianistica viene prima puntellata dai fiati e poi completata da ritmiche jazzy e da vocalizzi tra post-coralità e vaporose ambientazioni nordiche. L'accurata giustapposizione dei suoni reca con sé un'idea di lenta perfezione orientale, che talvolta si percepisce nel ricorrere di sentori caldi e speziati, nonché soprattutto nella ricca leggiadria di un brano come "The Girl From Murania". Coniglio applica tuttavia i suoi "origami sonori" non solo alle parti acustico-cameristiche del lavoro ma anche a quelle - non meno ingenti - improntate a declinazioni ambientali che nell'occasione spaziano dal dark ambient dei nove minuti di "Fondamente Nove incl. 120 cm s.l.m." ai suoni granulari di "Pastor et nauta", dai picchiettii nelsoniani di "Alpen Tower pt.2" alle spesse nebbie idrofoniche di "Salicornie (reprise)". E ancora, l'interludio per pianoforte e violoncello "Salicornie (interlude)" e l'aura rinascimentale del dialogo tra drone, voci. violino e campane di "Angels Of San Marco"; insomma, un universo sonoro estremamente vario, le cui molteplici sfaccettature compositive e strumentali incorniciano di un senso di distanza spazio-temporale l'omaggio tutt'altro che banale a una Venezia idealizzata nella preziosa immutabilità del ricordo. [Raffaello Russo] ATTILIO NOVELLINO's quote (aka Un Vortice di Bassa Pressione) Enrico ha una cifra personalissima, molto particolare, in cui l'avanguardia più ricercata si fonde con suoni classici, concreti; questo genera una sorprendente atmosfera di contaminazione ambientale che vive sul dialogo tra linguaggi apparentemente distanti, ma che i brani comunicano alla perfezione: disintegrations loops, campane, glitches, pianoforte, violoncello e chitarra disegnano un bolero emozionante, vivo, ricco di forza descrittiva, venato di quella malinconia tipica dei posti dove si incontrano i viaggiatori delle più svariate provenienze, nei quali, non serve parlare una stessa lingua per comprendersi, perchè sono i luoghi stessi a risuonare. [Attilio Novellino] THE SILENT BALLET Salicornie is a marvelously engaging exploration of Venice. The disc operates as a sonic postcard, and is so evocative that it should be sold in airport kiosks to outgoing tourists wishing to extend their experience. The only drawbacks are non-musical: an unwieldy title and a cover that fails to accurately represent its contents. Salicornie is the classic case of "don't judge a book by its cover." Memoirist André Aciman often writes of the nostalgia present in remembering a city that one has left. The mind plays tricks: reorganizes geography, truncates chronology, glosses over imperfection. In much the same way, Salicornie presents an idealized Venice, preserved in amber: a slice of life that operates as a microcosm of the whole. Enrico Coniglio knew that he'd be unable to capture all of the city's allure, but he'd be able to open enough windows to provide an engaging view. Coniglio's recent works have been incredibly varied in nature, ranging from the watery ambience of Sea Cathedrals to the organ-drenched religion of Songs from Ruined Days. On Salicornie, he calls upon the assistance of some mighty fine collaborators, including Arve Henrikson on trumpet, Gigi Masin on piano and Patrik Monticelli on cello. Their work is spread throughout the disc, which provides variety; it is as if they are walking in and out of the camera's frame. The trio lends the album a languid jazz vibe, similar to that of its predecessor, 2007's Areavirus: Topofonie Vol. 1. But while the former album relied on the inspiration of a lagoon, its sequel benefits from a more complex muse. While the sounds of the lagoon can still be heard, they are joined here by the revelry of the Venice Carnival and the bells of the San Marco Basilica. Much of the album seems to have been recorded around the Piazza and Piazzetta. We hear water lapping, pigeons cooing, children playing, crowds laughing, and occasionally, the sound of distant troubadours. To listen is to stroll the pavement, south to north and back again, to breathe the enchanted air, to pause before the cafés, the clocktower, the statues of St. Mark and St. Theodore. There's much more to Venice than gondolas and glass. Strangely, even a monkey seems to make an appearance on Track 10. Coniglio's synthesizer, shells, "psalterium and a plenty (sic) of other little stuff" provide many tiny protuberances that prevent the album from being overly glossy. These welcome guests help to shift the album from the ambient to the experimental. The title track (and its reprise) even contain samples of Ravel's Bolero. While assigning mood to music is subjective, Salicornie seems to be an album of late summer tumbling into autumn. It's an outdoor album with a twinge of melancholy. The happiest moments arrive during the opening tracks, after which the voices fade, the effects grow increasingly solitary and the instrumentation turns wistful. As the closing piano piece unfolds, each note seems to forestall the onset of fall. When the last note echoes, we involuntarily shiver. For the first night since spring, the windows will have to be shut. The first leaf is about to descend. [Richard Allen] TEXTURA SALICORNIE - Topofonie vol. 2, Enrico Coniglio's follow-up to his 2007 Psychonavigation collection AREAVIRUS - Topofonie vol. 1, is fashioned as a tone poem to Venice, and as such is designed to convey the full spectrum of experiences associated with the city--its decadent and romantic sides, its chaos and rowdiness. Coniglio draws upon field recordings of water, church bells, children's voices, and the cacophany of overlapping conversations to generate rich mental postcards of a busy locale. Musical sounds drift out a cafe's doors to join a mix that's already teeming, and the creak of a gondola wending its way through the city's water routes also surfaces. Adjoining such elements are thick ambient webs Coniglio builds from a mini-orchestra of guitar, synthesizer, bells, toy glockenspiel, clavietta, harmonica, psalterium, and a host of other materials. Some pieces are shape-shifting settings of collage-styled design; others are more song-shaped. "Alpen Tower pt. 2," for example, adheres to a conventional structure in nicely underlaying piano tinkles and revereberant electric guitar figures with an understated beat pulse. For every excursion into darkness (e.g., the murky, watery depths plunged during "Fondamente Nove incl. 130 cm s.l.m."), something sweeter emerges to offset it. Not surprisingly, the material receives a considerable boost from the presence of Arve Henriksen, whose trumpet playing adds personality to whatever project he's contributing to. The title piece (and its later reprise) stand out for the way in which Henriksen's signature breathy tone floats overtop the lulling backdrop Coniglio provides to him. Collectively, the sound verges on symphonic as see-sawing piano chords, violins, cellos, and a martial drum pattern (sampled from Ravel's Bolero) conduct their slow and steady ascent. When Henriksen and cellist Patrik Monticelli voice a yearning theme halfway through the piece, it feels like a quintessential ECM moment, even if Coniglio's album appears on Psychonavigation. Monticelli also has a lovely solo spot on "SALICORNIE (interlude)," where the piece's haunting main theme is prominent. The playing of Henriksen and Monticelli, abetted by the piano of Gigi Masin (who gets the closing track "Usaghi Blues" all to himself), also elevates "The Girl from Murania," whose lush and pretty five minutes might be the album's most uplifting. The impact such guests make on the album can't be overstated, as without them its seventy-minute running time would start to feel overlong; it would be easy to imagine listener fatigue setting in by the time the ninth and tenth settings, "Pastor et Nauta" and "Bateon dei Morti" appear, for instance. But by adding such distinguished voices to his material, Coniglio ensures that the album holds one's attention despite its length. SEA CATHEDRALS *Enrico Coniglio feat.* M.P. Cecchinato & M. Liverani - Silentes 2010 CLASSICAL-DRONE Read the review here. [Caleb Deupree] AMAZON (customer's review) The work of Enrico Coniglio is getting recognized more and more with each release and it's well-deserved. "Sea Cathedrals", on which he is teamed with Manuel P. Cecchinato and Massimo Liverani, is no exception. Manuel P. Cecchinato is new to me, but I remember well Massimo Liverani from outstanding tracks "Stalking Venice" and "ExistenZ Minimum" on Coniglio's "Areavirus: Topofonie Vol. 1". Apart from his previous releases on Psychonavigation and Velut Luna labels, which were by far more acoustic and eclectic, on "Sea Cathedrals" Enrico and his fellow musicians explore darker and drifting realms, dedicated to industrial area known as Porto Marghera, located on the mainland of Venice. So no surprise they have landed this time on Stefano Gentile's Silentes label. The album opens with monumental title track "Sea Cathedrals". Blend of dark drones, on-site recordings and some vocals of Manuela Bruschini makes from this 20-minute track a pure gem, what a masterpiece!!! More please!!! "Sandbanks" keeps its tense mood, while being less drifting and more experimental, but amazing too! "Till" remains in the same terrain, but adds glitches/hiss to its drones. This one would easily fit also Aqua Dorsa project, another remarkable piece! Mysterious "The Lost Cargo" attracts with its bell sounds while the last 19-minute piece "Sylos" submerges us with its deep abyssal sounds timely spiced by singing bowls, a grandiose journey and perfect album closer! "Sea Cathedrals" is another masterful sonic sculpture of Enrico Coniglio (and his guests) released during 2010, so watch out for this talented and potential Venetian composer!!! [Richard Gürtler] MAURIZIO PECCHIA's quote Come i Titani dal fondo dell'Inferno dantesco: sylos, ciminiere e l'altoforno si innalzano, coperti di ruggine, possenti e minacciosi lungo la costa. Sì, vi è qualcosa di numinoso, una fosca, ancorchè inane, aura di sacro, in queste costruzioni che sembrano sorte dal fondo del mare. Per me, cresciuto a Piombino, ascoltare SEA CATHEDRALS è stato come rivivere la meraviglia e, soprattutto, l'inquietudine da sempre provate di fronte a questi giganti di ferro ed acciaio. [Maurizio Pecchia] CONNEXIONBIZZARRE The name Enrico Coniglio is not new to this scene as well as to me. In the past I had the pleasure of reviewing another CD with him being one of the collaborators. The album "dyanMU" was released on the Irish label Psychonavigation Records and for "Sea Cathedrals" Enrico chose to stay closer to home as it was released by fellow countrymen Silentes. The album's imagery and its music is conceptualized around 'Sea Cathedrals' or the great heritage of the coastal industrial archeology of Porto Marghera. Part field recordings, part guitar loops, bells, vocals and synths - this album gathers sounds from as much different origins as what was brought into the harbor. Just like on the before mentioned "dyanMU" which was a collaboration with Elisa Marzorati, "Sea Cathedrals" is again a collaborative effort. On the cover and in the books it says Enrico Coniglio feat. M.P. Cecchinato and M. Liverani and within the liner-notes we also find the additional vocals being credited to Manuela Bruschini. Sadly I couldn't find any more information about the other persons, so the review will focus on Mr. Coniglio himself. And why try to rewrite what is told so perfectly on his website. "Enrico Coniglio is a musician with an interest in the aesthetic aspects of the landscape. ... his music tries to explore the loss of identity of places and the uncertainty of the evolution of the territory." This feeling of forgotten memories and places that 'once were' very well depicts the atmosphere that is created on this album. Long stretched sounds with slow movements - which sometimes take a bit 'too' long like on the title-track - and at other moments the activity within the sound-spectrum is very high. An example from this can be heard in the gorgeous second track "Sandbanks". "Sea Cathedrals" is a well executed piece of ambient music which will appeal to more then just the usual target audience for this kind of works. [Bauke van der wal] CYCLIC DEFROST MAGAZINE The spectre of Thomas Koner looms large on Sea Cathedrals, a five-piece dark ambient work by Enrico Coniglio with Manuel P. Cecchinato and Massimo Liverani, but not in a derivative way. Coniglio applies the slowed down cushioned hiss present in Koner's music to more placed-based recordings, dense drifting pieces built from synth, voice, 'drone' and field recordings captured along the Industrial coast of Porto Maguera near Venice. This latter component provides the album with concept and direction whilst - thankfully - avoiding ecological preaching, approaching the geographic soundscape from a position comparable to that of Francisco Lopez, with more interest in overt sound manipulation and instruments. Despite the varied elements going into these pieces, they're all rendered indistinguishable through processing, serving only the vast resultant drones. The title is appropriate, as there is something grand and mythic at work here, and sub-aquatic, a deep sound that floods the space like gas. Traces of location recording hint at both nature and industry, and while the synthesis is complete it's hardly a happy union. The presence of bells in 'Till' and 'The Lost Cargo' brings a faint Fourth World air, but the bleakness remains, like the work of Paul Schutze. A strong, dark, and impressive album. [Joshua Meggitt] AUDIO DROME Dopo Glacial Movements e Touch, Enrico Coniglio, qui coadiuvato da Massimo Liverani e Manuel Cecchinato, ottiene di essere pubblicato da Silentes, casa di tanta sperimentazione elettronica e ambient italiana, specie di quella più legata al genere industrial (in catalogo troviamo Mauthausen Orchestra, Maurizio Bianchi, Hall Of Mirrors, Deison, Cria Cuervos...). Sea Cathedrals è più scuro e meno glitch di Cloudlands (pubblicato assieme a Oophoi a nome Aquadorsa), nonostante tra i due dischi ci siano punti di contatto (certe reminescenze di Roach), ed è meno concettuale di Song From Ruined Days, nonostante il paesaggio di riferimento di Enrico resti quello industriale in rovina di Porto Marghera, sempre costruito anche su field recordings, questa volta però apparentemente più manipolati. Situazioni sospese, momenti soft anche se non solari (soprattutto i primi venti minuti della title-track, ingentiliti dalla voce di Manuela Bruschini), drone che vengono lasciati espandere il più possibile, loop che compiono il loro ciclo in intervalli di tempo amplissimi: Sea Cathedrals non ha fretta e non ha bisogno di colpi ad effetto, bensì gira intorno a chi ascolta e piano piano gli costruisce attorno un nuovo mondo. Certi suoni più obliqui di "Sandbanks", "The Lost Cargo" e "Sylos", però, nel contesto di un disco dal respiro così calmo, aumentano il desiderio di ripetere l'esperienza. Come spesso capita con l'ambient, poi, una volta entrati - magari faticando un po', proprio come in Cloudlands, in un buon album, difficilmente se ne esce. Gli appassionati del genere hanno definitivamente (se ne erano già accorti in parecchi) un nuovo nome da seguire. [Fabrizio Garau] VITAL WEEKLY Enrico Congilio already worked with Oophoi on a CD for Glacial Movements (see Vital Weekly 683) and here works with his drones, field recordings, bells, programming with two musicians (not on every track together) Manuel P. Cecchinato (arc-angel synthesizer, treatments, crystals) and Massimo Liverani (guitars, loops, treatments). The five pieces, ranging from six to twenty minutes, are excellent examples of ambient drone music. Dark, atmospheric, spacious, all those keywords of what ambient and drone music is, apply to this music. Much of this kind of music has been said and done before, but Coniglio does a mighty fine job here. Excellent wonderful production. BLOW UP Field recordings colti da Enrico Coniglio sui bordi di Porto Marghera costituiscono la fonte digitalmente elaborata che, con il contributo degli accreditati Cecchinato e Liverani, ma anche di Manuela Bruschini la cui voce, come divina luce che traffigge plumbea volta, è nelle tessiture della title track, erige "Sea Cathedrals", requiem all'utopia acritica del benessere garantito teorizzato senza remore dai fautori dell'industrializzazione euforicamente indiscriminata. Il presupposto dell'album, dedicato alle 'cattedrali sul mare', simulacri di archeologia industriale, inevitabilmente ammanta di dolenti tonalità il susseguirsi dei cinque brani, dall'ambient smarrita e navigante con inesistente visibilità di Sea Cathedrals, al mare aperto colmo di interrogativi e di oscure suggestioni che si para davanti infinito, fornendoci preziosa chiave per comprendere come anche alle spalle è altrettanto immenso il nulla di Sandbanks, dalle maree crescenti che sommergono parole e finzioni di Till agli esoterici riverberi che s'agitano in lontananza nell'immota The Lost Cargo, sino a quasi venti minuti di Sylos, cupo post-industrial dal passo compassatamente lugubre che si sfilaccia in mille diramazioni che si riavvolgono inestricabili avvinghiandosi alle antenne del tetro complesso industriale che si staglia nella distanza. [Paolo Bertoni] ROCKERILLA n. 361 Cattedrali sul mare oscuro della fantasia per Enrico Coniglio e suoi complici in azione manuel P. Cecchinato e Massimo Liverani. Il paesaggio sonoro di Sea Cathedrals non chiede altro di essere viaggiato nella totalità dei suoi 5 brani a lunga durata cullati dalla voce delle onde e dal canto delle sirene. Non resta che farsi portare alla deriva di questi flutti arcani mossi da armonici sussurranti, ma anche solcati da vibrati profondi e scie di droni elettronici che scandagliano gli spazi ignoti degli abissi marini, mentre altrove disegnano le lagune blu di un mondo incontaminato lontano nel tempo. Ma queste cattedrali sul mare suggeriscono un'altra chiave di lettura meno serafica e più prossima al tema della salvaguardia ambientale nell'era degli imperi industriali. Da ascoltare tra le righe. [Aldo Chimenti] OLTRE IL SUONO Affascinante album in "classico" stile ritual-ambient dalla matrice oscura, costruito attraverso cinque tracce dalle sonorità profonde ed evocative, ora più statiche, fluttuanti, "quiete" e dilatate, ora più incisive, drammatiche, "trainanti" e coinvolgenti... Nonostante la collocazione stilistica all'interno di un filone piuttosto "collaudato" e, solitamente, abbastanza "standardizzato", c'è da evidenziare che le sonorità appaiono comunque molto ricercate, le strutture compositive finemente elaborate, e il missaggio di suoni ed elementi vari sicuramente ben riuscito ed efficace, tanto da far decisamente "spiccare" questo album, non solo dal punto di vista tecnico ma anche da quello prettamente "emotivo" rispetto a tanti altri di genere analogo. Un CD che, nel suo lento e progressivo evolvere, sembra via via "crescere" anche dal punto di vista "qualitativo", quasi come se, corrispondentemente allo sviluppo temporale, in fase di realizzazione progredissero parimenti le buone intuizioni, l'originalità delle idee, la perizia tecnica e l'abilità nel ricercare suoni, combinarli insieme, e costruire attraverso essi atmosfere sempre più efficaci e coinvolgenti. Un album sicuramente consigliato a tutti gli amanti del genere. [Giuseppe Verticchio] SONGS FROM RUINED DAYS Enrico Coniglio - Spire/Touch 2010 CLASSICAL-DRONE Read the review here. [Caleb Deupree] THE SILENT BALLET Read the review here. ARPEGGI C'è davvero qualche cosa che si muove in Italia o si è sempre mosso discretamente, sommesso e con eleganza. Parliamo della musica ambient sperimentale, che persino nel Belpaese continua a far parlare di sé apportando al genere il suo perchè. Non mancano di dire la loro le giovani leve e dopo Ielasi, Rocchetti e Shinkei ecco il chitarrista, compositore e field recorder Enrico Coniglio a firmare un nuovo progetto niente meno che con la Touch. Un'unica traccia "Songs from ruined days" in quarantacinque minuti di raccolte per field recording intrappolate tra cattedrali, spazi abbandonati ed istantanee dall'essenza vitale. Tra senso del racconto, malinconie e memoria sonora alla Basinski, le forme -qui in sostanze organiche, incursioni dark ambient, particelle in droni, parti acustiche e distorsioni- lavorano con la rigorosità di un Hecker sulla prospettiva o come un Brian Eno emulano l'immobile ma dialogano con il divenire rilevandone chiaramente le fonti (organo, dialoghi, estratti di cori sacri) quando non le sorti affidate negli ultimi minuti al silenzio che diventa chiaro manifesto del tema dell'abbandono. Tutt'altro che asettico, il non luogo qui si scontra tra il sacro e il profano, illuminato prima tra le fila angeliche, celebrato poi tra rarefatte, cupe e crepuscolari manipolazioni sonore. Tutto fluttua in un equilibrio miracoloso, disponendo i substrati con accurata riflessione a favore di una composizione comunicativa, simbolica ed evocativa. [Sara Bracco] BLOW UP #146/147 Continua l'indagine del soundscape della laguna veneziana da parte di Enrico Coniglio, compositore, chitarrista, field recorder che, già in orbita Touch, pubblica questa volta nell'ambito del progetto Spire un'unica lunga traccia, disponibile solo in versione download. L'interesse documentaristico del musicista veneto per il paesaggio contemporaneo (ed in questo caso per le sue derive industriali) si intreccia in questo lavoro con la componente strumentale: un drone di chitarra dilatato e reiterato si interseca con i field recordings dell'area industriale di Porto Marghera (anche se una piccola parte delle registrazioni si riferisce ad una sessione invernale a Vienna). Una sovrapposizione che svela in negativo i contorni netti di un orizzonte alienato, di uno spazio desolato definito da un'operazione di aggregazione musiva degli oggetti sonori che lo compongono, nella minura in cui "gli oggetti che compongono un paesaggio non possono essere semplicemente concepiti nella loro individualità". Un altro tassello significativo che si aggiunge all'antologia paesaggistica di Enrico Coniglio: i tempi sono ormai maturi per un album sulla label di Jon Wozencroft e Mike Harding. [Leandro Pisano] ENNIO MAZZON's quote Scorci di architetture digitali, improvvise riflessioni e aperture cristalline, austeri suoni industriali e sfocate istantanee di spontanea emotività. Cattedrali, mosaici. Spazi abbandonati. "Songs from ruined days" è un'opera che delinea paesaggi indistinti e atmosfere confuse. E' una affascinante e preziosa concretizzazione sonora di un ambiente "contaminato". Un ambiente fatto di margini... [Ennio Mazzon] TEXTURA Read the review here. ONDAROCK Read the review here. ROCKERILLA Aggirarsi in luoghi, i più impensati, con un microfono binaurale è come avventurarsi nella scrittura di un racconto, si usa il field-recording come strumento per costruire con assoluta precisione una storia che poi verrà raccontata attraverso il suono. Enrico Coniglio è maestro in questo: assolutamente imperdibili i 'fields' downlodabili dal suo sito (http://www.enricoconiglio.com/radiousaghi.asp) così come imperdibile è questo suo ennesimo 'racconto' che vede la luce per Spire, colta ed affascinante realtà sulla quale vigila la sempre prestigiosa Touch. Ma entriamo in punta di piedi dentro questi suoni e cerchiamo di capire qual'è la storia che andremo a vivere: Fincantieri di Marghera, l'impatto è sconvolgente! Sul noise creato dalle turbine degli aspiratori si innesta una melodia creando un sorprendente 'effetto cattedrale' che si propaga per tutta la durata del 'racconto'. Quelli registrati sono i suoni degli enormi spazi occupati dalla grande industria, sono i Grandi Molini, la Fincantieri, il MAS, un immenso capannone nel quale si assemblano i pezzi delle navi da crociera, è la liturgia del lavoro che si sposa con quella della preghiera grazie al continuo inserimento di droni che accompagnano il 'lettore' attraverso i due mondi portandolo dagli stabilimenti di Marghera fin dentro la religiosità delle chiese con le sue celebrazioni liturgiche. La crudeltà del duro lavoro e il tentativo di elevazione spirituale in un mondo alla mercè della rovina. [Mirco Salvadori] TOKAFI Read the interview here. [Tobias Fisher] CHITARRA & DINTORNI Read the interview here. [Andrea Aguzzi ] BLOW UP Read the interview here. [Leandro Pisano] GLACIAL LAGOON Enrico Coniglio - Laverna 2009 DELERE MUNDI Personaggio particolarmente attivo nell'ambient[e] elettronico italiano, con numerose collaborazioni alle spalle, Enrico Coniglio si fa interprete del rapporto tra Musica e paesaggio dipingendone le impressioni su tele sonore dilatate e ricche di sfumature. Glacial Lagoon, pubblicato liberamente su Laverna Netlabel, rappresenta a grandi linee l'esempio calzante di quello che è l'approccio musicale dell'artista in questione: in 3 tracce Enrico riesce a descriverci visioni paesaggistiche attraverso l'utilizzo di sonorità fluidificate, lugubri, astratte che vengono man mano elaborate nel loro ripetersi. Sia in "Coldmill" che in "Mantilla" ci troviamo di fronte a dei brani strutturati similmente nel loro procedere, caratterizzati da un costante ripetersi di certe sezioni vagamente noise che si sviluppano di pari passo con la base del pezzo. Anche se inizialmente il suono sembra essere semplice e scarno, con l'avanzare dei minuti assistiamo ad un piacevole arricchimento progressivo del sound, che trova il punto di forza proprio nella completezza raggiunta dall'intersezione dei vari effetti. "Glacial Lagoon" si distacca in modo marcato dal suddetto metodo di composizione, e riesce a distinguersi grazie a suoni dalle tonalità cupe che si miscelano con altri particolarmente acuti. L'atmosfera in questo pezzo si fa decisamente più angosciante, con tratti che sfiorano sensazioni di claustrofobia pura, punzecchiando continuamente l'attenzione dell'ascoltatore che attraverso queste soluzioni sonore accentuate viene sollecitato e tenuto in una situazione di prolungata instabilità. Il risultato messo in mostra da questo disco è quello di un lavoro strettamente indirizzato verso un particolare stile di sviluppo, reso efficace dall'attenta selezione dei suoni presenti al suo interno, che presi nel complesso creano un insieme compatto, efficace ed approfondito. L'intero Glacial Lagoon è di sicuro influenzato da una vena sperimentale particolarmente pulsante, e di conseguenza viene guardato dalla distanza quel certo tipo di minimalismo che spesso conduce ad una stagnazione artistica [e quindi alla banalità della proposta musicale]. Coniglio ha dimostrato e continua a dimostrare quanto la ricerca sperimentale sia affascinante, e quanto un'accurato sviluppo stilistico sia essenziale per perfezionare quell'espressione musicale che, altrimenti, diverrebbe prevedibile e noiosa nella sua monotonia. NYCVE - 2009 ENRICO CONIGLIO - A sound landscape for the icy lagoon Enrico Coniglio is a protagonist of the Italian ambient music scene. He is living in Venice and has dedicated one of his recent works to his home city: "Glacial Lagoon", a concept album that lends itself to providing listeners with a different view on Venetian musicality. When did your passion for music evolve? "It's difficult to name a precise moment... I probably owe a first approach towards music to my parents, who made me listen to old vinyls of classical music from childhood. We listened to works of composers like Claude Debussy or Maurice Ravel, more or less "popular" standard repertoire. I tried to chase after the rhythm, and to reproduce the classical arrangements with a guitar - which must have been pretty unenjoyable for eventual listeners..." I suppose you'll have studied music later... "Friends of my family, who were members of the orchestra at the Fenice Theater, involved me, together with their own son, in musical studies, but I could stand it for just a few weeks. Actually, the genre of music in which I'm active today doesn't require the knowledge of musical theory. And by the way, also Charlie Chaplin, who was an autodidactic composer, is universally considered a great melodist." Which instruments do you play today, and in which genre? "I'm a 'contrite' guitarist because I actually wanted to play something else... and yet the guitar, as a well-tempered instrument, allows you to enter the world of music in a completely direct and amateurish way, and to make progress with easy arrangements or compositions. Over the years, I thought I could use the guitar to produce a 'different' sound from what this instrument is being made for: so to speak, one starts from a 'functional use' and arrives at a 'concept' that may be far indeed from the primary function." How do you use your guitar today? "I like to combine the sound produced by the instrument with other sounds, generated and processed by digital means, plus natural ambient recordings that serve to render a particular sound landscape. In 'Glacial Lagoon' for example, one of my most recent works, the guitar is 'artificial' to the point of becoming totally unrecognizable, producing kind of a 'background noise' meant to be a 'new melody' that brings about a euphony harking back, in a sense, to the standards of ambient music set by the great Brian Eno." Apropos of 'Glacial Lagoon', the lagoon has been frozen in several winters. How did you try to represent that disturbing tableau in music? "I tried to figure out a sound arrangement to 'let down' on the lagoon, as if to freeze it and to create a feeling of doom capable of evoking the idea of a desaster that forces survivors to cross this icy desert in order to live on. The pieces of music intend to render precisely these circumstances: the rigidity and stiffness of the ice, and at the same time its uncertain and ephemeral state of existence. "What about the genre of ambient music in Italy? "Actually, there is considerable fermentation, a resurfacing of ideas thanks to several artists, with whom I'm lucky enough to cooperate, by the way. Together with Emanuele Errante for example, who is active in Naples, I've edited the compilation 'Zaum vol. 1' (recently released by Psychonavigation records, an Irish label: www.psychonavigation.com), collecting eleven selections by Italian musicians from all over the country." In which venues do you perform? Any concerts scheduled? "I'm going to be present on December 10th, at the Candiani Cultural Center here in Venice (in Mestre, more precisely), for a gala presenting various songwriters of the Laverna label (www.laverna.net), like Gigi Masin and Mario Molven." [Giovanni Bove] ROCKERILLA n. 349 Enrico Coniglio è tra i segreti meglio custoditi del panorama ambient italiano. Insieme al collega Emanuele Errante il musicista veneziano ha appena pubblicato una bella raccolta panoramica sulla fertile scena del bel paese (Zaum vol. 1). Il mese scorso in Sonic Bang si è parlato della sua recente collaborazione con il romano oophoi a nome Aquadorsa e la net label Laverna ha da poco reso disponibile in download gratuito un suo nuovo EP di tre brani. "Glacial Lagoon" mette in mostra l'aspetto più sperimentale di Coniglio alle prese con sonorità elettroniche che cercano di traslitterare in suoni il concetto di disfacimento (quello della sua terra, innanzitutto). Tre brani per quasi mezz'ora di melanconica e desolante ambient music. [Roberto Mandolini] RADIO USAGHI \| 004 Enrico Coniglio - 2009 ROCKERILLA n. 345 In questa rubrica non trattiamo solo mp3 provenienti da net labels ma anche di suono free download in genere. Ultimamente son parecchi gli artisti che aprono, all’interno dei loro siti, un angolo dedicato all’ascolto ‘scaricabilmente libero’. Ha fatto così anche il veneziano Enrico Coniglio che all’interno del suo sito ha installato una postazione free download interamente dedicata al field&hydrophonic recordings. Un anno di registrazioni fatte sul territorio e rielaborate in studio cercando però di dare il massimo spazio a quella che è l’arte del field recording, ovvero riuscire a catturare i suoni dell’ambiente trasformando un semplice esercizio di registrazione in un’opera musicale vera e propria. A tal proposito magistrale ed impressionante è il lavoro eseguito in presa diretta ai Grandi Molini di Marghera... suono immersivo. [Mirco Salvadori] ROCKERILLA n. 341 Read the interview here. [Mirco Salvadori] SAPIENTUMSUPERACQUIS Enrico Coniglio - Touch Radio 2008 DISQUIET "There’s a gap between the Touch Music record label and its ongoing MP3 series, TouchRadio. While Touch album releases generally focus on processed sound, the sound on TouchRadio is generally unprocessed. The recent entries on TouchRadio have been raw field recordings, framed by the discerning ear of the recordist and by the broader context of the Touch cultural engine. TouchRadio just released its 30th entry, a 23-minute audio tour of Venice, titled “Sapientumsuperacquis” (MP3). The microphone technology was in the hands of Enrico Coniglio, who describes the situation as follows in the accompanying text: [...] The burbling of water provides a thick scrim through which are heard industrial noise, conversations, the creak of waterborne structures, footsteps and more. It’s the perfect background music for an afternoon spent reading a China Miéville novel, the sort of tale in which the dank urban setting exists thanks to a tentative compromise with the fetid mote that surrounds it. [Marc Weidenbaum] SILENT LISTENING The Touch Radio series presents a recording of Enrico Coniglio made in the Venice lagoon on 29th april 2008 at 21:00 in a night-depot of boats of the public transport service at “Riva dei Schiavoni”, not far from San Marco square. One can hear the water lapping and the boats bumping in each other making for a peaceful but nevertheless slightly eerie atmosphere. [Andreas Bick] REVERS MAGAZINE Como parte de una serie de grabaciones de sonidos inusuales en la Laguna de Venecia, Enrico Coniglio grabó esta pieza una noche en un depósito de botes del servicio de transporte público, no muy lejos de la plaza de San Marcos. El título del tema, Sapientum Super Acquis, hace referencia a un organismo creado en 1501 para salvaguardar el delicado equilibro de la laguna y cuidar la salud del agua. No tuvieron mucho éxito, actualmente la laguna es un pozo de contaminación debido a que está próxima a una de las áreas industriales más amplias de Europa. [Blanca Rego Constela] dyanMU Enrico Coniglio & Elisa Marzorati** - Psychonavigation Records 2008 THE BIG CHILL OK, so I'm working on a hunch here rather than reporting on the findings of a thorough investigation, but I'm pretty sure that the classical (or 'art music' if you prefer that term) composer Claude Debussy has left his mark more clearly than any other on the popular electronic music of the last few decades. Given his 'whatever pleases my ears' maxim, his harmonic palette has had most to offer songwriters and instrumentalists alike, and his soft, shimmering tonalities which are strange but also beautiful to most ears, have permeated the soundscapes of all our lives from clubs to concert to living room armchair. He has also been explicitly referred to in recent years: Isao Tomita's stunning electronic arrangements, Snowflakes are Dancing, which appeared in the seventies, through to the Art of Noise's beautifully crafted and very clever, but ultimately pointless and slightly ridiculous Seduction and Reduction of the composer's life and works, released at the very end of the same century that was only eighteen years old when he died. Some of his piano pieces, such as those in Images and the Preludes, contain music and sounds that are, in the instant that they are heard, so aromatic and evocative that they really are the antecedents of ambient and down-tempo (Debussy's contemporary Satie called some of his pieces 'furniture music'). If I had one desert island disc of beautiful music to think and unwind to, my 'ambient' choice, it would be a recording of his first book of Preludes. Another piece of evidence for my opening gambit is the latest release on Psychonavigation from Enrico Coniglio, dyanMU, which draws directly from those Preludes. It is very much in the ambient-glitch-soundscapes tradition of his previous release, Areavirus: Topofonie Volume 1 which was probably the standout release of its kind last year. On this disc Coniglio is joined by the pianist Elisa Marzorati whose free improvisations are based on extracts from some of the twenty four pieces that comprise the two books of Preludes. It's an interesting and well executed album, the arrangements and treatments of the material (particularly the contribution of Rena Jones on the first track) are subtle but fascinating in their own way. There are recognisable snatches of the composer in amongst the drones and textures but, although both coexist quite happily alongside each other, there is not much that the musicians have done to link the two which is a shame. That said Loss (part 1) does extend and illuminate the strange melancholy longing that runs through Footprints in the Snow (one of the most striking Preludes). Perhaps, because it is closest to his style and presentation, Foliage is the standout track, but everything here is interesting listening. It's just that where his influence is most strongly felt, he (unsurprisingly) steals the show. If you're after quality ambient then it's here in abundance, if you're a fan of Debussy too then this album should definitely be in your collection. [Jez Wells] WHITE LINE This release comes out on Northern Ireland's Psychonavigation imprint. Taking a position somewhere between the ambient ramblings of Boards of Canada, with a little Biospshere, and FSOL added for good measure. This neat release is capably handled by one Enrico Coglio ably assisted by Elisa Marzorati on piano. Whilst this release didn't float my boat in terms of originality, it did what every ambient recording should do, and left me chilled, and suitably calmed..film music for the mind I would say, and none the worst for it. For those of you that are still looking for sonic sedation in the form of synthesised ambience..this will have your name on it.. DGM LIVE.COM A Sample of Paradise - Posted by Sid Smith on Sun., Jun 8, 2008 Venetian guitarist and composer Enrico Coniglio has an album utilising a sample from Robert Fripp's 1998 toe-tapper, The Gates of Paradise. Entitled dyanMU, the record also features the playing pianist, Elisa Marzorati. The album is out on the Irish label Psychonavigation Records and you can listen to samples of the album over on Enrico's myspace site and here... THE SILENT BALLET Take a stroll through any film house that is having a sci-fi drama/romance film festival and you will hear songs akin to those on dyanMU by Enrico Coniglio. Tension from ethereal pads and metallic accents coexist with traditional piano melodies to provide a space that is harmonious as well emotional. It is exotic but also traditional. The backgrounds are very reminiscent of Aphex Twin's Ambient Works Volume II, where one can't help but feel something "spooky" about the sounds that move in no apparent direction, yet subconsciously feel like there is a pattern to the chaos. It is slow and arrhythmic, which lends to the alien nature, but the ability to find peace amongst the mysterious is what lends a supernatural essence to the music. The piano melodies are generally simple and well played - almost too well played. I get the air of classical training when I listen to the piano, but that is not necessarily a bad thing. I bring it up because it is borderline non-sequitur; it almost sounds like it doesn't fit. The ambience has such a dramatic textural element but the piano is played in such a clean and pristine way that it sounds like two albums together; a piano album played over an ambient album. The electronic, ambient only tracks are quite delightful as the textures have large dynamics and sweeping flow. This again leads to the feeling of two albums smashed together. On that note, if this were really a soundtrack to a sci-fi romantic drama, track five, "Bell-Ringer," would be the act II reunion between the robot-killing detective and his once alien, blond haired mistress. It is so cheerful, with its staccato upper octave plinking and falling major melody line it seems completely out of place on the album. However, it's short, sweet, and perfect for a romp through a sunny meadow. Then the dark ambience rejoins the crowd and all is back to "normal." A feeling that can't escape me is that dyanMu sounds like the graduate project for a composition major at some University. It is not to say that it is poorly done, but the piano elements sound a little too heavy handed compared to the ambience. The piano is the undeniable lead instrument, but it sounds as if the album was written for piano by a pianist, and then ambience was added to make it more "modern". If this is the case, the contrary is true. The album feels a little behind the times if it is intended to be an avant-garde piece of music. The pairing of heavy piano pedal tones amidst fuzzy background ambience is something that has been going on since the days of Stockhausen which in turn have been synthesized into modern music and cinema, hence the reference to film music; the music sounds mainstream-ized. This would be a fantastic film soundtrack, or a fantastic new-age piano album, but as a single piece of experimental ambient music it feels a little too simple. This being said, the album is still fairly enjoyable and something worth listening to or using in your next film project - whether sci-fi romance, slasher, or avant-garde - give it a try. [Greg Norte] CYCLIC DEFROST Enrico Coniglio is a thirtysomething post-Fennesz producer/musician based in Venice. He deals in a warm, soothing blend of guitar drones, field recordings and digital post-production. dyanMU is his fifth album, and this time around he’s joined by Elisa Marzorati on piano. Coniglio works as an urban planner by day, and it is perhaps no coincidence that his music evinces a strong sense of place and landscape. Opening track ‘Brushwork’ features contemplative piano chords and runs layered over heavily syncopated programmed drums (from guest Rena Jones) and chilled synth atmospheres, with indecipherable spoken word samples floating in and out of the mix. However, this opening track is deceptive, as the rest of the CD dispenses with drums altogether. Coniglio says that he was freely inspired by Debussy’s piano preludes in the making of this record, and ‘Foliage’ is a solo piano instrumental which seems to hang in the air like a latter day ‘Clair de Lune’. ‘Birds Delight’ is an Eno-esque melange of swooping bass drones and haunted electronics. ‘Timepiece’ samples Robert Fripp in a cinematic soundscape of richly reverbed piano, drifting synth strings and Alva Noto-style bass glitches. This album is a must for all fans of intelligent, richly-textured ambient music. [Ewan Burke] THE TICKET part of the The Irish Times newspaper Italian electro-ambient composer Enrico Coniglio's second release on the fine Dublin Psychonavigation label sees him team up with Swiss-Italian piano virtuosa Elisa Marzorati. It was Marzorati's 2006 recording of Debussy's 24 Preludes for Solo Piano that inspired dyanMU's experimental mingling of impressionistic (and sometimes sassily jazz-inflected) piano figures with minimalist loops, samples and drones. Coniglio is clearly more than at home on Planet Plugin, but he doesn't distract overmuch with ostentatious noodling. And his tact is not lost on Marzorati, who offers rich, whole-tone atmospherics rather than acrobatic busyness. There are even entire tracks where the two musicians, as if in mutual homage, stay out of each other's way altogether. A low-key beaut, well worth your euros. [DARAGH Ó'DÚBHÁIN] THE VIBES Dopo le apprezzate Topofonie, torna il musicista elettronico veneziano Enrico Coniglio, questa volta accompagnato dal delicato tocco pianistico di Elisa Marzorati, per l'annunciato progetto (sempre edito dalla sorprendente etichetta irlandese Psychonavigation) dyanMU, che stimola la nostra curiosità fin dall'eleoquente packpaging. Sulla cover è riprodotto un monolite cubico, simbolo in alcune culture del raccordo fra la terra e l'empireo, ma traslato dalla cinematografia come simbolo del misterioso intreccio fra naturale e artificiale, che sembra eroso ma non del tutto consumato dal tempo e dall'"ordine" random della natura che lo circonda in relativo contrasto con l'ordine geometrico della figura. Una potente immagine che sintetizza l'incontro fra la musica classica e quella elettronica, intersecate in vari modi nelle undici tracce del disco, secondo una rivisitazione dei canoni divenuti quasi un dogma introdotti da musicisti come Brian Eno (con la sua ricerca sonora nella cosiddetta "musica ambientale", ovvero musica atta a "descrivere" un ambiente senza il ricorso delle parole o di rigidi schemi classici, e al contempo a far parte dell'ambiente in cui è suonata) o Robert Fripp (pertinente la citazione in Timepiece di The Outer Darkness, una dei lavori più "miltoniani" del suo repertorio) filtrata dalla logica della preservazione dell'"errore" alla base del glitch. Conforme ad una confluenza che ha ripreso a risuonare nelle sale da concerto e nei salotti di molte cose con sodalizi come quello fra il noto pianista Ludovico Einaudi e Robert Lippok (una gamba dei To Rococo Rot), ma propenso a quella cinefilia e alle immagini mentali prodotte da musicisti come Fennesz o lo stimato pianista anglo-tedesco Max Richter, dyanMU sposta l'ago del bilancino di precisione verso esperienze sonore che ben si adattano anche a spleen emotivi da cameretta, riuscendo nel corso degli oltre 40 minuti di riproduzione a dare l'illusione che le lancette dell'orologio si fermino. Camei minimalisti e fulgide schegge di trasognato intimistico che fanno percepire quasi all'ascoltatore il cigolare dell'anta di un armadio eroso dai tarli o il fluttuare di tende mosse dal vento nella penombra di una camera, ideale profilassi che separa la quieta stasi dell'ascoltatore dalla dinamica immobilità della natura si avvicendano in delicati equilibri in cui il rifiuto dei canoni non è mai troppo vicino all'idiosincrasia. Coinvolgente fin dall'iniziale Brushwork, in cui oltre ai pennelli musicali di Enrico ed Elisa, vi è anche quello della brava violoncellista Rena Jones, attivissima esponente della scena downtempo che recentemente ha impreziosito il suo palmares con collaborazioni di gran pregio e attualmente impegnata sul suo quarto album. Dopo il crepuscolare ronzio di Mothlight, segue l'ottima Foliage: l'ago si sposta decisamente verso la vena classica del progetto e verso i colori e le temperature tiepide dell'autunno, miste al senso di placido risveglio della natura. I fraseggi pianistici sembrano provenire da una dimensione lontana, irradiando la stessa tensione e lo stesso senso di temporaneo distacco all'ascoltatore, preso per le coclee e accompagnato nella fievole luce di un'alba surreale nel giardino di stimoli dell'avvolgente Birds Delight, in cui un drone subtonale si confonde con suoni sibillini dal movimento circolare di sequenze che si fanno via via più ipnagogiche su sporadici backings che ci ricordano per l'uso che se ne fa certe obnubilate sequenze degli eterei Boards Of Canada. Transitando per la leggiadria di Bell-ringer molto simile a certe cavalcate mentali tra le nuvole dei Nova Nova sospinte dalle corde di martelletti del pianoforte e per le suggestioni umbrifere della rarefatta Cableway, si giunge ad uno dei momenti in cui il predetto ago ritorna a propendere verso le macchine di Enrico: in skip to eXit, da cupe sinosoidi di basso emergono un suono sintetico acuto, messo a contrasto con i gravi rintocchi di note di piano delle prime ottave, prima di aprirsi e rinchiudersi in un interessanti gioco di scomparse e riapparizioni sul radar sonoro. Levare e accenti che richiamano le didascalia sonore di Satie o i leziosismi del più lunare Debussy di Walking Distance fanno da arioso corridio che conduce nelle due parti di Loss, in cui i rintocchi del piano e le crepuscolari tonalità elettronica fanno quasi da frangiflutti gli uni delle altre e viceversa fino a quando - nella seconda parte - sembrano quasi compenetrarsi in una oscura sinfonia che fa da eco al solipsismo più impenetrabile, richiamandoci alla mente la narcosi notturna del Rupert Huber nelle vesti di pianista. Chiude il nostalgico sfilacciamento di Timpepiece. [Vito Camarretta] TOKAFI The journey begins with a thought and a questionmark: “Play it soft?”, Enrico Coniglio asks in the digipack, while Franco Marzorati claims in the preface to the album that “Ambient music swallows not only the world with its noise but also silence with its thoughts. Perhaps it realizes the extreme desire: deadalive”.The music hasn’t even started yet and one already feels that this is by no means an ordinary release. Of course, Enrico Coniglio has made a name for himself in that respect. His previous effort, “Areavirus”, was a work which bulged out in every direction imagineable, a record which effortlessly moved from crisp electronica to richly tectured soundscapes and from solo pieces to band-like constellations. Coniglio is the kind of musician who’s not eclectic for the sake of it, but simply because his field of interest is so wide. Indecisiveness, one could say, is a virtue here. This is also why his fifth album, a collaboration with Swiss-born pianist Elisa Marzorati, has such a completely natural ring to it. “Freely inspired by the piano Preludes of Claude Debussy”, it says, but the smell of pretentiousness which easily pervades such lines is softened by the fact that this is truly the meeting of two musicians who enjoy reaching out beyond their own nose and who have finetuned the details of their vision over the course of more than a full year – “dyanMU” is not only the album title, but the name of their joint project as well, a “meeting between two artists coming from very different traditions. Almost by default, these 42 minutes will therefore fail to satisfy both the demand for sonic purity of die-hard classical fans and the desire for seamless smoothness often voiced by Ambient listeners. Marzorati neither strives for an organic sound in her playing (lots of pedal) nor in her choice of instrument (most likely an ePiano), her elegant melodies on rhythmic opener “brushwork” are rather influenced by electronica than by the Vienese school, her disqueting clusters on “skip to eXit” and her harmonic language on “walking distance” by midnight Jazz and nervous breakdowns. Coniglio’s atmospheres, meanwhile, take turns at being ethereal and lightflooded, obscured by clouds, ominous and abstract. Despite its many tonal, timbral and stylistic variations, “dynMU” does settle into a groove, albeit an unusual one. Dense moods are continously juxtaposed with solo piano pieces, leaving a lot of free creative space to the listener, while sucking him in through the backdoor. Only the final three tracks deviate from this path, when Coniglio builds crackling and clattering beats from tiny bits of binary code and immerses himself in field-recordings to come up with a modern-day version of Debussy’s impressionism on “loss (part I & II)”. Even in its more disturbing passages, the album remains contained, never fully releasing the tension and merely easing it slightly when Marzorati is allowed to gently stroke the keys. This may be, why dyanMU” is a work which demands to be appreciated through repeated listening, but which is not too heavy or burdensome to be consumed several times in a row. Quite obviously, however, it risks disappearing into your subconscious without the necessary dynamic thrust: We strongly recommend playing this loud! [Tobias Fischer] BARCODE Coniglio’s second album for Psychonavigation sees a fragile blend of acoustic and ambient sounds at play. The album begins with the track Brushwork, perhaps one of the busiest on the album, combining faint vocal samples with light, spattering ‘beats’ and cleverly sequenced piano tones. The remainder of the album is, however, rather different. Mostly based on deft piano chords - in fact three of the tracks are wholly piano pieces - Coniglio surrounds the melodic tones with a variety of ghostly ambient synthesiser passages and granular atmospheres. The results inflict a variety of subtle emotions, but many of the tracks do tend to drag on a bit. In all honesty it’s the sole piano pieces, such as the lovely, Budd-like Foliage and wandering Bell-Ringer that light up the album most. I guess they would not be as effective if not cocooned by the drifting drones of much of the surrounding music. Therefore this is an album that needs to be listened to in its entirety to garner full satisfaction. An ambitious work that almost falls under the avant-garde category, dyanMU contains some highly inviting portions of music, but its abstract polarity distracts too much to make it a truly pleasurable listening experience. GOTHRONIC Just about two years ago Enrico Coniglio and Elisa Marzorati started the "dyanMU" project. With instruments ranging from samplers, filters, computers and a piano they created a true masterpiece which can be mentioned in one breath with the works of someone like Biosphere or Fennesz. Heavy minimal ambient, on times with minimal technoid beats and patterns, in which the piano dictating the melodic parts in most compositions. If you compare this release to for example the collaboration between Alva Noto and Ryuchi Sakamoto, "dyanMU" is accessible to a way larger audience. On the one side this is because of the less incoherent way she plays piano, but it's definitly also because this release contains less weird and hurtful frequencies. But concerning the amosphere, both collaborations are quite close to eachother. The label on which this album is released - the artwork reminds me quite a bit of Touch releases with pictures by the hand of John Wozencroft - is an Irish label and "dyanMU" is release number 22. Most of the mentioned artists are unfamiliar to me, but i was pleasently surprised to read the names Lackluster and Hans-Joachim Roedelius. Worth researching! [Bauke] MORPHEUS MUSIC ith impressionist piano embellishment and some chilled beats. This is an unusual album - Enrico Coniglio has created a series of absorbing ambiences that have a moody enigmatic quality about them - dark, deep morphing pools of sound crackling in places with electrical damage - these are overlaid with delicate piano melodies by Elisa Marzorati "partly based on the piano Préludes of Claude Debussy". The resultant combination is a delightful movement between dappled light and thick shadow. Eerie passages of fractured drones and sustained metallic ringing swell ghost-like, indistinct whilst the gentle buoyant romance of Marzorati's ivory dances wistfully across the surface. Track one has a sparse digital beat that effortlessly carries the introduction into weightless, breezy motion - the remainder of the music is pretty much free of percussive rhythm. A tasteful twin panel digipack holds this CD - delivering the same balance of light and shadow explored through the music. On the front cover an improbable cube sits in a scrubby woodland - littered with dead leaves and shattered sun light, pale against the gloom of the undergrowth behind. On the rear cover we find a compact tracklist and brief credits set out on a densely tenebrous arched corridor photo scene. Inside another woodland image holds a printed quotation from Franco Marzorati and behind the disc itself is an extended list of credits and sample sources. This is the second album on Psychonavigation Records from Venice based guitar player/composer Enrico Coniglio following a series of earlier releases. Here the artist further develops his interest in ambient electronica - his muted environmental creations minimal and evocative - suggestive motes and minutiae crawling in the depths. Yet the introduction of Elisa Marzorati's piano playing completely transforms the overall tenor of the collection - his soundscaping illuminated by her grace, her fingering haunted by his static and gloom. Add to this some drum programming from Rena Jones and a couple of well chosen samples including one from Robert Fripp and you have a truly stand out album. LOOP Italian artist based in Venice Enrico Coniglio, on programming, sampling and looping along with Elisa Marzorati on piano released his second album on the Irish label Psychonavigation Records. ‘dyanMU’ is a project that started in 2006 between these two artists and also collaborates multi-talent Rena Jones on drum programming and synths. In 1996 Enrico Coniglio participates in several rock and psychedelic bands and since 2001 he started his solo recordings. On the other hand Elisa Marzorati is a classic trained musician. Coniglio delivers abstract soundscapes whilst Marzorati plays beautiful piano notes. [Guillermo Escudero] THE STAR Enrico Coniglio teams up with pianist Elisa Marzorati on a record that possesses an elegance reminiscent of artists like Debussy and Sakamoto.The marriage of sampling and looping with classically-influenced piano is made in heaven,although the two styles do separate temporarily during the course of the record. ARTISTS & BANDS Ritroviamo Enrico Coniglio che avevamo gia avuto modo di ascoltare con piacere con il suo interessante affresco sulla laguna veneta intitolato Areavirus Topofonie Vol. 1 e già recensito sulle pagine di A&B. Questo nuovo progetto è il risultato dell'incontro e della collaborazione di Enrico con Elisa Marzorati, pianista veneziana di chiara formazione classica. dyanMU è il titolo di questo loro incontro musicale, incontro che si annuncia enigmatico e particolare fin dal nome, ispirato ad una catena montuosa di Venere, ma di più lontana provenienza mitologica cinese; si tratta di un disco tipicamente ambient che mantiene come elemento comune delle 11 composizioni e come filo conduttore una grazie ed una delicatezza sonora, un approccio musicale minimalista e confidenziale in cui il piano di Elisa Marzorati infonde elementi armonici e melodici più lineari e classici all'interno delle strutture elettroniche, ai samples ed ai loop sperimentali di Enrico Congilio. Il risultato complessivo, sicuramente interessante, al contrario del dettagliato racconto "geografico" di Areavirus ci trasporta ad una visione più estraniante ed immaginaria, un allontanamanto dalla realtà che ha molto di onirico e sognante. Brani dai tempi lenti e dall'incedere liquido come ad esempio Cableway, Foliage, Bell Ringer o Walking Distance con il piano lento e quieto conduttore ci fornisce una visione più acustica e melodica ed al contempo meno elettronica del medesimo senso di distacco e si alternano a brani in cui è la sperimentazione e la libera improvvisazione elettronica la linea dominante, brani come la lunga Bird Delight, Skip to Exit o Loss, basate quasi interamente sulle sonorità sintetiche di Enrico, regalano sensazioni alienanti e drammatiche, una fuga, un distacco che invita al pensiero ed alla riflessione. Brushwork rappresenta invece il culmine, il punto di risalto di questo connubbio elettronico-acustico, ottimo brano dal ritmo sincopato e robotico, quasi post-industriale, che si segnala come perfetto punto di incontro, complemento e completamento dei due artisti. Da segnalare anche la partecipazione come guest di Rena Jones talentuosa protagonista della scena elettronica e down-tempo americana e dell'utilizzo in Timepiece di alcuni samples tratti da The Outer Darkness di Robert Fripp. Enrico Coniglio questa volta è forse orientato maggiormente all'aspetto tecnico e sperimentale confermandosi sempre comunque molto abile nel realizzare atmosfere e suscitare sensazioni dal forte coinvolgimento emotivo, ambientazioni minimali ed astratte, suggestive ed evocative a cui Elisa Marzorati contribuisce in modo determinante regalando un tocco più classico, melodico ed acustico alla componente elettronica. TEXTURA Enrico Coniglio's decision to collaborate with pianist Elisa Marzorati for his second Psychonavigation album is an inspired move which pays off handsomely. The two initiated the project in the summer of 2006 by merging his sampling, filtering, and looping techniques and electronic soundscaping style with her elegant etudes. The two are heard together in many pieces but also in solo settings. Representative of the paired pieces, "Brushwork" accompanies dancing piano notes with a lightly galloping percussive rhythm and waves of high- and low-pitched synth tones. In "Mothlight," Coniglio's vibrant electronics take center stage with Marzorati providing peripheral enhancements. Ample spaces separate the piano chords in "Cableway," suggesting the huge expanse traversed by the cable car's trip, while the droning tones echo resonantly throughout the cavernous open space. Coniglio's haunted moodscape "Birds Delight" evokes mystery and unease as willowy tones and bass throbs seemingly drift through the corridors of a long-abandoned building. The focus shifts to Marzorati in the lovely "Foliage," which nurtures a tranquil and dreamy mood, and "Bell-Ringer," whose bright and vibrant piano melodies are in keeping with its title. Of course the "piano & electronics" concept isn't without precedent—the most obvious example being the collaborations between Ryuichi Sakamoto and Carsten Nicolai. But a recording like Insen is far different from dyanMU; the former typically juxtaposes Sakamoto's elegant playing on one side and Nicolai's pristine electronic beat patterns on the other; though the concluding "Timepiece" does adopt that format to some degree, dyanMU generally blends the two realms more indissolubly. Classically-trained, Mazorati's approach extends beyond a single style to embrace classical but also jazz-inflected improvisation, and Coniglio's contribution isn't primarily rhythm-oriented but instead rooted in atmospheric enhancement and sound design. That the album is partly based on the preludes of Debussy is clearly audible in the solo piano pieces which exude the refined elegance of the composer's work; at times, however, Marzorati takes that idea and pushes it into the realm of free improvisation, resulting in the jazz-inflected "Walking Distance." Picture Mazorati playing in a conservatory practice room and open windows allowing Coniglio's myriad colourations to flood in and envelop the pianist's performing space and you'll have a fairly accurate impression of dyanMU s sound. THE VIBES - 2007 Interview by Vito Camarretta Di recente abbiamo presentato il suo ottimo lavoro - Topofonie vol.1 sotto lo pseudonimo Areavirus - per l'attiva etichetta irlandese Psychonavigation. Adesso conosciamo meglio il suo artefice. Buona lettura! Ho molto apprezzato le tue Topofonie. Puoi parlarci della gestazione del disco? Come per tutti i miei lavori la data di pubblicazione di un lavoro risulta di molto posticipata rispetto al suo concepimento. Questo perché devi rispettare il calendario della label, e ci sono mille questioni tecniche e burocratiche che ne ritardano il release. Un gap dovuto anche alla difficoltà di trovare un'etichetta in grado di assimilare la tua musica e raggiungere i tuoi possibili fruitori. Vivo questo cronico ritardo come un vero cruccio, anche perché ho il brutto vizio di considerare un lavoro già obsoleto nel momento in cui esce ufficialmente. Quando riuscirò ad accorciare la distanza tra creazione-pubblicazione, mi sentirò davvero soddisfatto. E' una questione legata alla ricerca di coerenza, non di fretta di essere sul mercato. Tornando ad "AREAVIRUS", la gestazione è avvenuta sul lungo periodo, i pezzi nascono in diversi momenti a cavallo degli ultimi anni. Una delle ambizioni era quella di fare un disco non difficile, eterogeneo, in grado di avvicinare orecchi meno esperti e di raccontare con la musica alcuni frame del paesaggio della laguna di Venezia. L'environment e il paesaggio industriale di porto Marghera pare aver giocato un ruolo fondamentale. Si può parlare di sonorizzazione di questo scenario riferendosi alle Topofonie? Quando parliamo di Laguna di Venezia non intendiamo solamente gli elementi di naturalità, quello che si dice il sistema ambientale, ma il mosaico dei diversi paesaggi che la compongono. Per esempio a fianco di velme e barene troviamo le casse di colmata su cui è stata costruita agli inizi del secolo scorso Porto Marghera. L'idea di "topofonia", come insieme dei suoni che caratterizzano un dato luogo, non può che rispecchiare le contraddizioni e i contrasti del territorio contemporaneo. Nell'itinerario immaginario, cui mi piaceva l'idea di accompagnare l'ascoltatore, Marghera occupa un posto speciale e ammanta tutto l'album con i suoi minacciosi effluvi. A prescindere dal rischio ambientale, o forse proprio a partire da quella minaccia, Marghera ha da sempre esercitato un fascino particolare su di me. Spesso con Guido Marzorati, che con il suo piano mi accompagna da sempre nelle mie esplorazioni, ci siamo dati appuntamento tra le fabbriche in via di dismissione a caccia di foto, di suggestioni, ma non solo. C'era l'idea che là, tra le rovine, tra i capannoni e le ciminiere abbandonate, ci fossero delle risposte. Risposte che, ahimè, non ho mai saputo trovare. Come sei giunto all'irlandese Psychonavigation? Girellando qua e là per la rete, leggendo qualche recensione, soprattutto su riviste on-line specializzate. Poi ho dato un'occhiata al loro catalogo e mi è sembrato di tutto rispetto… Il produttore Keith Downey ha mostrato da subito entusiasmo per il progetto e ha deciso coraggiosamente di sostenerlo. Abitare a Venezia ti dà un senso di lontananza dalla realtà, ti senti diviso dalla Terraferma, dalla tua idea di "mondo". Certo è il fatto che oggi un disco deve avere un'ambizione minimo minimo europea, dunque perché non produrlo in Irlanda? In qualche modo bisogna puntare ad un'internazionalizzazione della musica, che nasce radicata nel locale, ma che può essere molto apprezzata all'estero, dove l'ascoltatore "colto" è sicuramente meno snob che in Italia, e l'ascoltatore medio è forse più in grado di recepire le innovazioni anche in un genere come l'ambient che alcuni dicono non sia in grado di rinnovarsi. Psychonavigation records è una piccola etichetta, ma presente sui cataloghi dei maggiori distributori del momento. Quale peso hanno avuto i numerosi collaboratori coinvolti nel progetto? I musicisti che hanno collaborato al progetto sono stati coinvolti in fasi diverse, e con modalità diverse. Ho voluto pensare a me stesso come il produttore delle texture ambientali su alcune delle quali poteva ergersi bene una melodia, un canto armonico. Beninteso che nell'ambient i suoni dello sfondo sono i veri protagonisti della scena sonora. Sia ben chiaro che tutti hanno contribuito al lavoro a titolo di collaborazione artistica. Per quanto mi riguarda ho lasciato loro piena autonomia di espressione, e ho ricevuto in cambio qualcosa che si è rivelato al di sopra delle mie stesse aspettative. Ci sarà un volume 2? Mi piace pensare di sì. Anche se ora sono impegnato in altri progetti un po' più "astratti" dal territorio, credo che tra un paio di dischi tornerò sulle topofonie. Ho in mente però un concept diverso, più fortemente legato alla geografia lagunare, l'idea quella di tracciare una reale mappa delle immagini sonore di dati luoghi-momenti. Sto pensando ad un lavoro di field-recording, con una parziale intrusione di suoni sintetici e acustici, questi ultimi magari realmente inseriti nel contesto ambientale di ripresa. Intanto sto lavorando sulla carta. Come ha detto Ermanno Olmi di recente, quando gli hanno chiesto perché voleva tornare ai documentari e chiudere col cinema, direi che la realtà si racconta già di per sé benissimo. La realtà che mi interessa è il paesaggio, sonoro ma non solo, di un dato luogo in un dato momento. Il nostro intervento è a monte, nell'atto stesso di riprendere il campo acustico, e a valle, nell'elaborare quelle riprese nella post-produzione. Poi sarà musica. Ho letto che sta per uscire un tuo nuovo lavoro con Elisa Marzorati. Ci puoi anticipare qualcosa a riguardo? In febbraio esce sempre per Psychonavigation "dyanMU", quello che io ritengo essere il mio lavoro più riuscito e che mi rispecchia di più. Un album delicato, minimale, fatto di atmosfere rarefatte, droni ambientali e un tocco di sperimentalismo a mio avviso ben riuscito. L'uscita è imminente quindi mi fa piacere parlarne. Il disco nasce su suggerimento della pianista classica Elisa Marzorati, che ha inciso da poco per un'etichetta italiana i Preludi pianistici di Claude Debussy. Ho preparato una bozza delle basi in circa una settimana, poi abbiamo registrato in un paio di sessioni il pianoforte. Tutta improvvisazione libera. Per le ritmiche mi sono fatto aiutare da Rena Jones, musicista della scena down-tempo californiana, veramente geniale a mio parere. Un disco autunnale, astratto e concreto al tempo. Tengo molto anche alla veste grafica, elaborata da mia sorella Francesca, sulla scorta di alcune foto scattate ai margini di un bosco peri-urbano della Terraferma, che comprende l'area militare abbandonata di Forte Cosenz, del Campo Trincerato di Mestre, un sistema fortificato in stato di degrado, ma fortemente integrato con nuovi elementi di naturalità spontanea. Stai ricevendo numerosi feedback positivi anche da personaggi blasonati della scena ambient internazionale, come Mixmaster Morris. Ma come credi sia percepita l'ambient dall'ascoltatore "comune" inondato dal pop del mainstream? E' una domanda divertente. Credo francamente che l'ascoltatore medio ignori l'esistenza dell'ambient cui io mi riferisco, al massimo gli capita di ascoltare un po' di chill-out e finisce per equivocare... ambient diventa nelle persone comuni sinonimo di altri generi che hanno riscontrato più fortuna di mercato. Il pop del mainstream serve, come servono le soap-opera; se qualcuno vuole approfondire poi c'è la possibilità di farlo, basta aver voglia di cercare. Va detto poi che l'ambient music può essere ascoltata nella modalità "easy listening", come semplice sottofondo, e in modo più approfondito, come percorso sonoro che richiede maggiore attenzione. Possiamo volere che l'ascoltatore medio si avvicini al genere, possiamo pensare di educare all'ascolto, ma ascoltare ambient music è un bisogno dell'anima, e non si può pretendere di educare ai bisogni, sennò ci si mette dalla parte delle majors… "Weakness is a great thing and strength is nothing". Come ricolleghi questa citazione di Tarkovski alle premesse riguardanti la cosiddetta "passione"? Domanda difficile. Mi piaceva quel frammento di monologo dello stalker protagonista del magnifico film, perché esula dai luoghi comuni ed introduce elementi di apparente contraddizione. Passione, motore di ogni cosa, è anche sinonimo di anelito, di sofferenza. Ce lo siamo dimenticati? In una visione di tipo romantica nasce come risposta al vivere quotidiano, nell'attrito tra anima individuale e mondo. Nella traduzione italiana, che mi piace di più della versione inglese, il testo recita: "la debolezza è forza, e la potenza è nulla". Passione e debolezza sono valori, se si riesce a inalvearle verso forme di innalzamento dello spirito. Ma questa è solo la mia interpretazione… Tra i tuoi collaboratori spicca il nome di Roedelius. Come descriveresti questo visionario musicista tedesco come professionista e come personalità artistica? Roedelius è un "mostro sacro". E' stato emozionante ospitarlo a Venezia. Non userei però il termine professionista, mi sembra essere riduttivo. In generale non lo userei per una personalità artistica del suo calibro. Un professionista è uno che viene in studio, suona, "buona la prima" e via. Ne ho conosciuti ed è fantastico avere a che fare con musicisti preparati, ma li vedo più come virtuosi dello strumento. Nel caso di un artista complesso come Rod è diverso. Si costruisce insieme un percorso, e possibilmente un rapporto umano. Roedelius si diletta nella pittura e nella poesia oltretutto. La qualità è alta, delle cose e dei pensieri che ci stanno dietro. La tecnica a quel punto poco importa, ed è strumentale alla "messa in pratica" delle idee. Come immagini il futuro della piana di Marghera? Non si può pensare che il futuro di Porto Marghera sarà nei prossimi decenni ancora legato alla produzione industriale. Sarebbe da ottusi. Bisogna pensare alla riconversione. La Chimica è in crisi dagli anni settanta, ora bisogna puntare sullo sviluppo dell'economia portuale, della cantieristica, della logistica e del terziario. Porto Marghera può essere un'enorme opportunità di sviluppo se non vogliamo "morire di turismo" qui a Venezia. C'è però il problema di salvaguardare il lavoro, c'è il problema dei costi di bonifica. Dentro di me poi resta quell'idea romantica di "giardino in rovina", della zona industriale alle luci del tramonto, del fascino irresistibile della catastrofe imminente, e immanente da un certo punto di vista. Porto Marghera è la nostra "Zona", come nel film di Tarkovskij: forse le risposte cui accennavo prima sono nel degrado fisico delle sue strutture, la rivincita dell'entropia, dello sfascio del tempo e della natura. Hai già effettuato live-stage o li stai pianificando per il prossimo futuro? Il mio problema è che sono più concentrato sull'attività di produzione che sul live-stage, ma intendo invertire la rotta. Ultimamente mi capita di essere coinvolto in diverse sonorizzazioni di film muti, è divertente. Ho da poco presentato "AREAVIRUS" in una libreria qui a Venezia, e per il prossimo anno intendo portare in giro lo spettacolo. Mi ha in qualche modo stupito che la gente non si annoia affatto ad ascoltare musica ambient dal vivo: il pubblico è curioso di vedere come costruisci il brano, come produci i suoni, e si lascia suggestionare dall'atmosfera. Moltissime persone chiudono gli occhi, questo dimostra che il pubblico ha bisogno di spazi di riflessione, di fuga, bisogni che la musica pop non riesce a soddisfare. Con molta cautela, in tal senso, verrebbe da paragonare la musica ambiente alla musica classica. Un secondo aspetto positivo è che tutto riesce più sperimentale e improvvisato rispetto al disco, e questo dal punto di vista stilistico è sicuramente un plusvalore. Secondo il tuo punto di vista, l'ambient va ricondotta al correntone post-industriale o al cosiddetto neoclassicismo? L'ambient music nasce dal bisogno di spazi di riflessione, di fuga e ritorno, di una metafisica personale laica che la musica come "guida alta" può dare nella vita di tutti i giorni. Il come e il quando ci si è avvicinati ad alcuni dischi, che storicamente hanno fatto poi "genere", non può non condizionare la tua visione della genealogia delle fonti. Personalmente scopro l'ambient con le sperimentazioni "a doppio Revox incrociato" di Fripp&Eno, che leggo come momento di grande genio, e approfondimento di alcuni aspetti inespressi della loro esperienza pop e progressive in particolare, dove, nella costruzione complessa della cosiddetta suite, c'era sempre spazio per situazioni di atmosfera e ambientali. Questa è la mia parziale visione. Con quali artisti ti piacerebbe collaborare in futuro? Sto lavorando ad un progetto dai toni più lounge con l'irlandese David Bickley, conosciuto appunto attraverso Psychonavigation. Il mio prossimo lavoro ambient invece, che farà seguito a "dyanMU", sarà un lavoro completamente solista. Ho in mente una sola "comparsata" di prestigio, ma vediamo se la cosa va in porto. Per scaramanzia non si dice nulla… [Vito Camarretta] "Goccie sonore" (dedicated to AREAVIRUS) Scrigni di luce riflessa di liquida essenza, incontrano la mia direzione. Aprono spazi muti del corpo. Come specchi trasparenti, lucide sfere, goccie sonore, si iniettano nelle vene del pensiero, cercando tracce di Dio nel labirinto delle sinapsi. [Donato Gagliano] Venezia, 241107 AREAVIRUS - topofonie vol.1 E. Coniglio - Psychonavigation 2007 TOKAFI Everything about this record is soft – except its opening. "Stalking Venice" kicks off with nervously scratching rhythms, alien whistlings, brazen synthesizer stabs and electric sizzlings and retains a dark, moody ambiance throughout. Is this the soundtrack to a "Venetian lagoon", which we were promised by the press release? Towards the end of the first track, however, the shuffling hihat patterns are counterpointed by flickering oscillations and a gradual slowdown towards a consoling finale. It is almost, as if Enrico Coniglio first needed to exorcise his demos, before allowing himself to drown in the beauty of the scenery, the nightly shades and salty smells of the city. And then the dream commences. "Areavirus – Topofonie Vol. 1" has been named one of the ambient albums noone should miss this year and that is absolutely correct - if one allows for some explanations with regards to the terminology. Of course, large parts of this album can be listened to in the state between waking and sleeping, when the mind is still active enough to take in the audio information, but too hazy to rationally digest it. And yet, Coniglio defines "ambient" more as a music that searches to build environments itself, rather than filling existing ones with inobtrusive sound. As subtle as his pieces may be, they are always intended for concentrated listening and hold suprising twists and turns in arrangement or instrumentation. A sizeable amount of friends and colleagues has been invited to join the sessions, making for a colourful ensemble filled with clarinets, strings and trumpets. The polarities between electric and non-amplified instruments fades in tracks like "Murania" and "Olivolo", which swing between agitated beats and atmospheric stasis, between harmonic rest and melodic energy and between the delicate drones of Coniglio's Synth- and Guitarloops and the concrete timbres of his collaborators. The record is most clearly defined by its tranquil moments, but "Areavirus" keeps a sense of movement by juxtaposing them with slightly more edgey material and beat-oriented work, such as in the jazz-tinged aquatic fantasy "W&J theme". Even then, however, everything remains dulcet and retained, each elemement carefully gauging its position in the overall composition. The result is a sonambulent style with strong visual characteristics, a music which relies mainly on moods, but builds them from very "musical" components. The density of "Areavirus" leaves a strong impression but what astonishes most is that it manages to award a huge importance to its guests, while integrating them completely into the album as a whole. Even Krautrock legend Hans-Joachim Roedelius (who has released with Psychonavigation Records only recently) is merely one of the names among many others on the backcover, instead of appearing like a trophy on the front. When the album's over, the main feeling is not only one of softness, but of elevation as well – the dream is over, the body is rested and the mind filled with intense memories of what it has picked up over the last hour. [Tobias Fischer] CHILLAGE IDIOTS XFM This is a wonderful lp. Perfect for those planned quiet times when you justwant to let your brain breathe a silent breath. It helps dislocate you fromthe chatter of your mind and you can just be. [Paul Chillage] THE BIG CHILL Psychonavigation, based in Ireland, is a label that is making more and more of a noise these days (albeit a highly experimental ambient soothing one). Home of the Electric Penguins and David Bickley, their latest release is from Enrico Coniglio, a guitar player and composer based in Venice. ‘AREAVIRUS topofonie vol.1’ is a glitch-cum-ambient-cum-jazz album apparently inspired by the ambience of Venice lagoon. Although it bears little overall similarity to another Venice, that of Christian Fennesz, there seem to be similar techniques of sound capture and looping at work; but the tunes here share equal prominence with the sculpted sounds. This is a disc populated by evocative noises and languid melodies, occasionally propelled by glitchy percussion which gently erupts like ripples on water. Acoustic instruments play a larger role than in most records of this type, notably piano (especially on the wonderful ‘Lav(a)sciuga’ and Alpen Tower) trumpet and clarinet, which makes for a warmer sound. The piano on the latter track is played by Hans Rodelius, who recently released a collection of pieces on this label, and this piece is strongly reminiscent of Brian Eno and Steve Hillage’s most laidback seventies work. Another standout is W&J theme, with the sublime trumpet of Arve Henriksen (of the Christian Wallumrod Ensemble, amongst others) intertwining with Coniglio’s guitar. This is not an album that will grab your attention, rather it will soak into your consciousness. I’m guessing that’s the idea and it’s a beautiful downtempo album. Highly recommended. [Jez Wells] 21ST CENTURY MUSIC Debbo dire che mi ci è voluto un po’ di tempo per assimilare al meglio questo nuovo lavoro di Enrico… La sua musica da sempre ha una sua personalità che la rende difficilmente etichettabile, la sua sensibilità e le onde della sua anima si muovono in territori inaccessibili alla massa, per questo la sua musica è un rituale acustico a cui pochi possono accedere… Certo, descritta così sembra una musica ostica ed ermetica, invece la qualità principale dell’arte di Enrico è il saper bisbigliare al cuore di chi l’ascolta con attenzione, di chi si lascia penetrare dalle note delle sue splendide e rarefatte composizioni lasciandosi alle spalle le banalità che intossicano i nostri sensi. Questa introduzione un po’ contorta mi serve per mettere in giusta luce la recensione che segue, per dare modo al lettore di seguire la giusta rotta dei miei pensieri ed evitare di fraintendere le mie frasi. Per iniziare dico subito che “Areavirus” è un lavoro bellissimo, sicuramente è il disco della maturità artistica di questo musicista veneto che ho avuto modo (e la fortuna) di seguire fin dall’inizio del suo cammino. Apre il disco “Stalking Venice” che marca in modo sempre più vitale il rapporto di Enrico con la sua terra e le sue radici, regalandoci un paesaggio acustico della sua città dai toni invernali e sfumati, piccolo quadro di grande potenza espressiva e poetica. Sulla seconda traccia “Lav(a)sciuga” inizia quello che, a mio parere, è un limite che in alcuni momenti si riscontra in questo disco (e da qui la mia introduzione di prima): pur essendo un bel pezzo, sembra sfilacciarsi nel suo incedere, come se l’uso di uno strumento a fiato (il clarinetto di Nicola Alesini) scompaginasse l’insieme della composizione, facendola sembrare alla fine come una improvvisazione (o forse lo è?). Invece la terza traccia, che dà il titolo all’album, è esattamente l’opposto: uno stupendo brano di elettronica che l’autore esegue in splendida solitudine, di una compattezza e di una liricità senza eguali, per me uno dei migliori brani in assoluto da lui composto. La successiva “Murania” è un’altra topofonia della sua terra (ricordo che il sottotitolo del disco è “topofonie vol.1), perfetto equilibrio dei riflessi tra cielo ed acqua della laguna veneta che l’arte del vetro cattura nelle sue forme e che questa musica rende in modo divino e volatile. La struggente “W&J theme” nei suoi toni delicatamente jazzati ci porta in una sospensione dei generi creando una “musica assoluta” al di fuori di ogni schema: cristalli di suoni sospesi tipicamente ambient, circondati da caldi toni jazz ed una tromba raschiante, dal sapore di terra, a legare al suolo una composizione eterea e brumosa. “Waterphonics” è spazio aperto assoluto, silenzio rotto dal frusciare del vento. Ho avuto la fortuna di passare tantissimo tempo nella laguna veneta (ho abitato a Padova per quattro anni) e questo brano mi ha riportato alla mente in maniera vivida sensazioni che credevo sopite. Verso la fine la musica si incupisce e nuovamente mi assale la sensazione del progressivo sfilacciamento della composizione, come se nuovamente si perdesse una partitura scritta a favore dell’improvvisazione. “Alpen Tower” è un altro miracolo di equilibrio e poesia, armonia allo stato puro, cristalli di luce incastonati in coni di oscurità, sintesi perfetta tra immensità terrena e celeste. “Olivolo” è il brano che mi ha convinto di meno, troppo spezzettato, con poca definizione. “Velme incl. Groun One” ci riporta verso quel lato oscuro e profondo della musica di Enrico che a me piace tantissimo, canyon sonori bui e misteriosi, suoni scuri e concreti mai minacciosi o negativi, anche in tali atmosfere la sensibilità poetica dell’artista rimane una luce guida per l’ascoltatore. “ExistenZ minimum” chiude il disco alla grande, questa è la musica che permette ad Enrico di dispiegare tutta la sua immensa immagine sonora, la sua elettronica essenziale e rarefatta dalla grande potenza espressiva lanciata senza limiti… Questo brano finale sintetizza in pieno i (pochi) dubbi ed ombre che ho trovato in questo disco; secondo me le collaborazioni con altri musicisti e l’inserimento di altri strumenti nelle sue tessiture sonore a volte tolgono compattezza alla sua musica, la fanno disperdere in direzioni e toni che ne deviano lo spirito. Certo, può essere solo una mia impressione, ma io credo che un lavoro totalmente solista di Enrico Coniglio sia ormai maturo, la sua musica ormai ha una sensibilità e forza poetica che nel panorama mondiale della musica ambient (brutto cercare sempre di definire qualcosa) credo abbia pochi paragoni. “Areavirus” è un grandissimo disco, le collaborazioni tutte eccellenti (Guido Marzorati, Arve Henriksen, Piero Bittolo, Nicola Alesini, Massimo Liverani, Hans-Joachim Roedelius e Alvise Seggi), la registrazione ottima e, soprattutto, il grande cuore di Enrico Coniglio e la sua visione della musica che è una vera e propria dichiarazione d’amore per l’arte e non per la fama. Vi pare poco? [Carlo Camilloni] THE VIBES Non c'è niente di ironico nelle suggestioni giustamente impietose del veneziano Enrico Coniglio quando rievoca la "sua" laguna e lo scempio perpetrato negli anni dalla vorace industrializzazione e dalla conseguente urbanizzazione selvaggia che sta distruggendo un habitat di cui resta solo nostalgica memoria, a cui il musicista avvalendosi di un'invidiabile schiera di collaboratori (dal leggendario Roedelius a Nicola Alesini, dal sapiente pianista Guido Marzorati al trombettista Arve Henriksen, da Alvise Seggi all'abile Massimo Liverani e a Piero Bittolo Bon) sembra voler dar voce, evocando sensazioni provate da una dimessa contemplazione di uno dei casi più tristemente esemplari nella nostra Italia di sottocultura anti-ecologista o se si vuole di industrializzazione poco lungimirante e incurante delle conseguenze sull'ambiente. E si potrebbe facilmente far umorismo dalle fosche tinte grigie sull'origine del nome Marghera, nel cui porto è sito un porto in cui trafficano ogni anno centinaia di petroliere. Mar-ghe-era, ovvero "mare che era" nel dialetto locale. Una volta c'era il mare... Poi a questo è subentrata la terra, lasciando il mare che c'era a propiziare un florido futuro, poi anche il mare si sta ritraendo idealmente, lasciando il posto a liquami evocati essi stessi dalle sonorità febbrili e fragili di queste Topofonie firmate con il nome collettivo Areavirus ("contaminalico" quanto basta....), che sembrano comunque voler una via di fuga forse intimista, ma splendidamente consegnata alle coclee degli ascoltatori che nella seconda parte del disco - dopo essere passati attraverso paesaggi sonori fatti di rabbia soffocate, di immaginifici giardini virgiliani a ridosso del mare, di peripatetici orizzonti in cui il pensiero si inerpica lungo gli scoscesi pendii delle possibilità - fa irruzione il sogno, interrotto dall'incombenza e dal gravame della realtà. Le atmosfere del disco sono curate quasi maniacalmente, risultando in un emozionante viaggio sonico non privo di discrepanze e disarmonie, che sembrano affiorare dalle stesse profondità in cui il suono sembra inabissarsi come presagi di ineluttabile logicità. Ancora una volta encomiabile lo sforzo discografico della quasi sconosciuta etichetta irlandese Psychonavigation, che forse inconsapevolmente sta riuscendo nell'intento di configurare e sospingere quello che qualcuno non esiterebbe a definire "neoclassicismo elettronico" per il potere descrittivo e talvolta "tragicamente" contemporaneo dei progetti proposti. Disco più che consigliato per audiofili e non. La precisazione che si tratta del primo volume fa sperare decisamente in un seguito... [Vito Camarretta] E/I MAGAZINE At the micro level, longtime guitar looper Enrico Coniglio purportedly uses his newly gathered ensemble Areavirus to set the composition Topofonie in and around an imagined lagoon in his native Venice. At the macro level, Coniglio prepares us for another in the long and growing line of creative treatises on nature vs. industrialization. There are a few occasions where Coniglio's atmospheres alongside the rest of the Areavirus crew take on the psychosonic feel of a whirling blade; songs like "ExistenZ minimum" and "Stalking Venice" suggest helicopter or airboat rides searching for pristine land, or maybe investigating urban sprawl into it. "Areavirus" does this too, but in that song's larger context its manufactured chime, insect and bird sounds also transform it into a dark paean to air and wind, nature's native tongue. "Waterphonics"—like the album title, a word made to juxtapose sound and the elements—is a weird, winding abstraction that grows in intensity from a whisper to a wail to warped waves, possibly matching the Earth's progression of its inhabitants from animal to man to machine. All of this thematic speculation is a wonderful thing, and in light of the actual music it very well has to be. Granted, the songs featuring Piero Bittolo Bon's bass clarinet win the day: "Murania" becomes the forest's spy music, suggesting something sinister in the woods near the water but leaving us to guess if it's man moving further outward or the trees preparing to rise up in revolt. "Olivolo," the song with anything close to basic rhythmic structure, sets off Bon against a slow keyboard shimmer, a treated string loop, and atypical drums and bass. "Lav(a)sciuga" has no clarinet, instead channelling a little of Cornelius' aloof style in the sad jazz running underneath electronic whining and pinging. Beyond these, though, Topofonie is rife with sound decayed to the level of "contemporary instrumental" meanderings. If the medium is the message, Areavirus at this moment aren't all that clear. [AB] SENTIRE ASCOLTARE A leggere le note stampa allegate a Topofonie Vol.1, si scopre che il disco nasce come un concept ispirato alla Laguna di Venezia. Una traduzione di suoni, atmosfere, colori, portata a termine mescolando dilatazioni spazio-tempo e “droni ambientali”, coraggiose indagini a base di sintetizzatore e patterns ritmici minimali, strumentazione classica – piano, tromba, clarinetto – e programmazione. Titolare del progetto Enrico Coniglio, chitarrista e compositore classe '75 fortemente attratto dalla fusione tra le arti, che grazie all'aiuto di alcuni collaboratori – tra i tanti, Nicola Alesini, Joachim Roedelius, Guido Marzorati, Massimo Liverani, Arve Henriksen – confeziona sessanta minuti di musica raffinata, rarefatta, algida. Aggettivo quest'ultimo che potrebbe suonare antipatico in altri contesti, ma che in questa sede ben si adatta all'ambient con cui ci si trova ad interagire. [Fabrizio Zampighi] VENEZIA NEWS N. 118 E’ un disco rilassante in tutte le sue tracce questo nuovo lavoro del musicista e compositore veneziano. Si colloca nell’ambient music, della quale, da tempo, Coniglio ha iniziato ad interessarsi per capire se essa appartenga alla dimensione del qui ed ora, o piuttosto a quella indefinita ed altra dell’altrove. Come afferma l’autore nel suo website (http://www.enricoconiglio.com) Areavirus, titolo dell’album e brano numero 3, è un neologismo di matrice urbanistico-architettonica che sta ad indicare la trasformazione di un terrain vague, un luogo soggetto all’abbandono, in qualcosa che sfugge alla volontà onnicomprensiva della pianificazione. In una metafora Areavirus è qualcosa che allunga i suoi tentacoli intorno, ai quartieri, alle strade, alle case. Qualcosa che si propaga sottopelle e diventa sommessamente tutt’uno con il corpo ospitante. La fonte di ispirazione della musica di Coniglio continua ad essere Venezia, ma non quella che tutti conoscono, bensì la città con le sue bellezze nascoste e con il suo lento, ma inesorabile, declino verso lo spopolamento e la morte. E proprio il primo pezzo Stalking Venice, è un incoraggiamento ad intraprendere il cammino dello stalking – un termine ripreso dal regista Tarkovskij, che significa avvicinarsi con cautela dove il perdersi, lo sparire, il divagare, costituiscono lo scopo stesso del viaggio – a Venezia e ovunque ci troviamo. Nel disco oltre al leader e ai sintetizzatori, alle chitarre, alla programmazione e ai loops, sono presenti una serie di ospiti tra cui il veneziano Piero Bittolo Bon al clarinetto basso in tre brani, e il romantico pianista austriaco Hans-Joachim Roedelius nella traccia Alpen Tower. [Giovanni Greto] TEXTURA On his oddly-titled AREAVIRUS Topofonie Vol 1, Enrico Coniglio directs the flow of ten perpetually mutating settings perched midway between electro-acoustic soundscaping and a distinctive ambient-jazz-electronica fusion. The Venice-based composer anchors the album with his own guitar playing, synthesizers, and programming but, wisely, also adopts a gentlemanly stance in allowing distinguished guests like trumpeter Arve Henriksen and bass clarinetist Piero Bittolo Bon to have their own moments in the spotlight. That the album apparently was inspired by the ambiance of a Venice lagoon is evidenced by dark ambient settings like the occasionally nightmarish “Murania” and “Areavirus,” a curdling, nocturnal gloomscape of tinkling bells and decaying noises. The explorative meander of certain pieces (“Stalking Venice,” “Velme inc. Ground One,” “ExistenZ minimum”) showcases the album's evocative side, while the ballad settings bring the splendor of acoustic playing to the fore (Hans-Joachim Roedelius's nuanced piano ruminations in “Alpen Tower”). The deep croak of Bittolo Bon's bass clarinet intensifies the ethereal character of the dirge “Waterphonics,” an effect augmented further by the panning drift of a string sample that surfaces midway through, and the bluesy lilt “Olivola.” In “Lav(a)sciuga,” a lightly dancing rhythm forms a quietly jubilant anchor for Coniglio's atmospheric guitar interjections, Nicola Alesini's clarinet murmur, and Guido Marzorati's elegant piano enhancements. The album's peak moment arrives halfway through in the beautiful ballad “W+J theme,” largely due to Henriksen's mournful, flute-like cry but the piece is distinguished too by Coniglio's sensitive guitar accompaniment and Marzorati's piano support. Coniglio's multi-varied collection provides a rich and oft-surprising listening experience. ARTISTS & BANDS Enrico Coniglio è un chitarrista ed un compositore veneziano, dopo vari passaggi attraverso band di rock psichedelico e progressivo dal 2001 si dedica prevalentemente alla sperimentazione musicale ed alla ricerca sonora, alla musica di ambiente ed elettronica, molte sono anche le collaborazioni importanti, con musicisti come: Nicola Alesini, Joachim Roedelius, Arlo Bigazzi, Massimo Liverani, Rick Walker, Arve Henriksen e molti altri. Enrico Coniglio ha all'attivo già 3 album: Sprawl del 2001, Grammatologia del 2002 e COMbiCOM del 2005. Con questo suo ultimo lavoro appena pubblicato per l'etichetta irlandese Psychonavigation ed intitolato Areavirus Topofonie Vol.1, Enrico "racconta" o meglio "ci racconta" della laguna veneta, con un lavoro dallo svolgersi estremamente narrativo e carico di riferimenti emozionali; 10 istantanee o come si può evincere già dal titolo dell'opera: 10 "topofonie", 10 mappe musicali in cui "la tavolozza" sonora dei "colori" e delle sensazioni che Enrico riesce a trasmettere si dimostra estremamente ricca ed elaborata, una laguna non esattamente da cartolina, una laguna in cui la realtà odierna, fatta di urbanizzazione ed industrializzazione si pone in contrasto con la natura liquida, surreale ed evocativa dell'ambiente lagunare in se. E così ci troviamo subito di fronte all'apertura affidata alla ricchezza di effetti e di movimento che Stalker Venice immediatamente trasmette all'ascoltatore, un continuo senso di moto, di trasporto per cielo e per mare, che si placa solo "scavando" nelle note e nei loop, trovando finalmente, quando tutto tace, il mare e la risacca. Molto bella ed espressiva è la seguente Lav(A)sciuga in cui linee melodiche distese e patterns ritmici si combinano a dare un forte richiamo evocativo, estremamente triste e malinconica è invece la title track in cui le textures musicali hanno tutte colori scuri tonalità basse a creare uno spiccato senso di disagio di inquietudine che prosegue nella seguente Murania, riferimento a Murano, patria della soffiatura del vetro. La chitarra apre W&J Theme accompagnata dalla tromba a dare una certa impronta vagamente jazz al brano, uno dei momenti che pur nella generale nota malinconica dell'opera di Enrico Coniglio si presenta come più aperto e melodico. Si ritorna a sensazioni più inquiete, notturne, nebbiose con Waterphonics quasi ad ascoltare cosa succede nelle notti scure quasi sentendo forse dei fantasmi ? delle creature mitiche ? o magari solo il semplice suono della natura. Completamente e puramente evocativa col suo piano sognante ed etereo adagiato su textures estremamente d'atmosfera è Aplen Tower, mentre estremamente tecnico e complesso è Olivolo in cui tutto ruota attorno ai pattern ritmici ed al clarino basso di Piero Bittolo Bon, sicuramente il brano meno emozionale dell'album ed il più orientato alla ricerca sonora. Nuovamente la malinconia come emozione dominante in un ambiente dilatato e vacuo dove volano stormi di gabbiani così ci appare la lunga Velme incl, Ground One che ci introduce alla conclusiva ExistenZ minimum dall'apertura ipnotica che, grazie al "gocciolar" di note ci riporta all'acqua, alla laguna ed all'ambientazione notturna, nebbiosa ed evocativa. La laguna veneta come forse non la si vede molto facilmente, una laguna dissimile dai clichè fotografici ma per questo una laguna più vera, una laguna descritta e narrata, con le sue ricchezze e le sue contraddizioni, musicalmente riportate con i suoi contrappunti tra atmosfere sempre vagamente malinconiche e spunti più vivaci, ecco forse talvolta eccessivamente melanconico e triste ma questa è la visione personale dell'autore e quella che intende trasmetterci, riuscendoci benissimo peraltro. Rimane quindi un ambiente ottimamente descritto dai colori elettronici di Enrico Coniglio, rimane un opera di non semplice assimilazione, dato sopratutto il ricco "peso" emozionale, evocativo e descrittivo, un opera che è consigliata ovviamente agli amanti della musica di atmosfera ed agli estimatori della musica in cui ricerca, elettronica ed emozioni devono essere gli ingredienti principali, sicuramente per chi non si vuole limitare semplicemente ad ascoltare un prodotto ma come nella lettura di un libro vuole immergersi in esso ed immaginarsi, nella propria mente, la scena. [Salvatore Siragusa] MIXMASTER MORRIS's quote This is a must have for ambient djs! ROAD RECS A selection of 10 collaborative works from enrico coniglio on the irish based label psychonavigation, the album features contributions from guido marzorati, arve henriksen, piero bittolo bon, nicola alesini, massimo liverani, hans joachim roedelius and alvise seggi, the album features ten electronic based ambient pieces based around the sounds of the venice lagoon and calls to mind the minimal sounds of the likes of Christian Fennesz.THE STAR (Ireland's national newspaper) The latest album from the internationally renowned Irish exponents of ambient and electronica, Psychonavigation Records, is another quality CD. These lush soundscapes are soaking in introspective melancholy, interrupted only by occasional splashes of sweet jazz - all inspired by and recorded in Venice, the most beautiful city in Europe according to some. CHILLAGE IDIOTS XFM A deeply involving sonic tapestry, which draws you back again & again, but each new listen brings further hidden treasures... beautiful, stark & occasionally frightening "Areavirus" will sit proudly in my music collection... [Mick Chillage] ARABESQUE UK The album is inspired by the ambience in Venice lagoon. You could say it sounds like a night trip on a mysterious boat, or a flight over a land in the balance between waters and grounds, as a unique landscape running the risk to be jeopardized by the contemporary urban and industry development… The kind of sounds in the work are rich, pieces never static but almost narrative, varied in drone and textures; arpeggio loops rarely sustained by some glitchy rhythmic patterns, sweet naive and distant melody made by saxes or a brilliant piano; dense and not ever conciliating atmospheres, but sensitive in the forms and absolutely inclined to melancholy. MASSIMO LIVERANI's quote Un bel lavoro, pieno e denso di emozioni diverse, ambienti, sensazioni. Si ascolta volentieri ma va assimilato lentamente, sia per la densità e preziosità delle emozioni che contiene, sia per la sua complessità evocativa. Un lavoro maturo, serio, che presuppone la presenza di un ascoltatore attento e curioso. Ad ogni ascolto si percepiscono cose nuove, spiccano nuovi particolari: quello a cui prima magari non avevamo dato peso diventa fondamentale, e cambia l'aspetto del contesto che stiamo ascoltando, aprendo nuove strade. Nel suo insieme il progetto contiene tante sfaccettature diverse e tanti percorsi sonori, ambienti, fantasie talvolta anche coraggiose. Si potrebbe obbiettare che in alcuni casi sia un po' troppo denso, ma in generale regge bene: fa piacere che esistano lavori del genere e che a produrli siano incredibilmente musicisti italiani! Vi sono poi alcune citazioni - o perlomeno io ho creduto di ravvisarle - talmente decontestualizzate da sembrare quasi aliene, che danno però al tutto un certo spessore, ed una certa ironia. 1. Stalking Venice. Notturno, pulsante, drammatico, rumoristico, denso di effetti; dà l'idea del movimento e della liquidità. 2. Lav(a)sciuga. Evocativo il piano iniziale su breve loop, anche gli interventi sono misurati e le timbriche sono bellissime: uno dei miei preferiti. 3. AREAVIRUS. Un'inizio lentissimo, fantastico, che poi evolve fino all'affollamento di sensazioni diverse. Brano indeterminato, vago, come alla deriva. 4. Murania. Introduzione molto suggestiva, il clarone (P. Bittolo Bon) è inquietante ma melodico; anche i loop di atmosfera e gli interventi vari sono azzeccati, uno dei miei preferiti (forse perché mi ricorda un po' Mick Karn?). 5. W&J theme. E qui siamo sul classico! Nel loop di chitarra mi ci riconosco veramente tanto, la tromba hasselliana è impressionante, il piano brillante... sicuramente uno dei migliori brani dell'intero disco. Forse l'unisono tromba/chitarra risulta un po' sdolcinato, ma in sintonia con la stessa title-track (ndr "W&J" sta per Winston e Julia, dal romanzo di G. Orwell, 1984). 6. Waterphonics. Anche qui un introduzione molto lenta ed evocativa, l'atmosfera è sospesa, ricorda un po' una laguna nebbiosa; poi a metà accade qualcosa, tutto si sposta verso l'elettronica e si trasforma in disturbi più terreni, in certi casi psichedelici, in altri quasi bandistico-sinfonici. 7. Alpen tower. Torniamo su un livello più minimale, molto enoiano. Bello e cristallino il contrappunto piano-chitarra. 8. Olivolo. Loop alla grande! Il fraseggio del sax mi ricorda "Stormy weather" cantata dalla grande Billy Holiday. Un bel brano impreziosito da giochi ritmici, ma forse più per addetti ai lavori. 9. Velme incl. Ground One. Inizio dilatato, punteggiato da frasi sospese di vibrafono, paesaggistico, quasi filmico. Ci sono uccellini che dialogano con i sintetizzatori e sembrano star bene insieme; poi come d'incanto tutto viene spazzato via e si ricomincia, questa volta con timbriche più elettroniche e cristalline, anche se l'atmosfera dilatata persiste. 10. ExsistenZ minimum. Lenta introduzione con stillicidio di note, come gocce dilatate, che piano piano si trasformano in un loop ipnotico, quasi un mantra, su cui progressivamente si costruiscono armonie che passano, fluiscono lentamente, crescono, evolvono, giocano e scherzano. Poi l'atmosfera si fa più severa e tutto viene ammantato come di nebbia in una bellissima descrizione sonora. [Massimo Liverani] GRAMMATOLOGIA Enrico Coniglio - Velut Luna 2002 20ThCENTURY MUSIC Disco fatto di un irresistibile fascino invernale, dominato da paesaggi brumosi e spazi aperti, tipici della laguna veneta da cui Enrico Coniglio proviene. Musicista ambient atipico, Enrico ama spaziare alla ricerca delle varie espressioni che questo genere può avere, allestendo, alla fine, un prodotto che non sfigurerebbe assolutamente nel catalogo dell’etichetta ECM, con i suoi suoni ed atmosfere rarefatte, sottili, come l’aria fredda di un’alba novembrina."I corpi scuri" è il brano d’apertura, cupo, atemporale, tipicamente ambient nella sua fitta trama elettronica. Il seguente "La nube purpurea" segue la strada del precedente, con la tromba di Kyle Gregory a disseminare il suo percorso con suoni di solitudine immensa, portando il pathos a livelli stratosferici. Un arpeggio di chitarra insistito e luminoso è la struttura portante della traccia successiva dal titolo "Sprawl II", piccolo raggio di pallida luce a squarciare l’uggioso panorama. Lo strumento di Enrico è la chitarra, tramite l’alterazione dei suoi suoni riesce a creare il suo sound, ma la sua capacità di cesellatore risalta anche in brani in cui i suoni dello strumento restano puliti, come il brano "Hiroshima mon amour", dove tutta l’atmosfera generale del brano ha una profondità scenica sonora splendida, con le note del sax soprano a volteggiare arioso, per un brano pittorico e poetico, dove ogni singolo suono si fa apprezzare in pieno nella sua bellezza. L’intento di "Grammatologia" è proprio quello di spaziare tra le varie forme che la musica ambient puòassumere, questo lo rende prezioso ed interessante, portandolo a rimanere sospeso in miracoloso equilibrio tra generi diversi e confinanti tra loro come new age e ambient, jazz ed elettronica. Esempio di questa forma stilistica è "Terrain-Vague", astratta, cupa, volteggiante come una foglia in balia del vento, inafferrabile e concreta nello stesso tempo. Come in occasione della recensione di Rick Cox due numeri fa, anche in questo caso ci troviamo a parlare di un disco molto più elettronico nella sua concezione che nella sua esecuzione, "Grammatologia" è è un disco ambient anche suonando come un disco non di ambient (nell’accezione più radicale del termine), il suo "essere" è al di là di etichettazioni di qualsiasi tipo, ciò che rimane alla fine dell’ascolto è un viaggio nella musica e nella sua universalità, unica lingua in grado di essere compresa ed apprezzata in ogni angolo del mondo. Altra cosa che terrei a sottolineare è la perfetta resa acustica del suono, la Velut Luna è un’etichetta molto curata sotto l’aspetto tecnico audio, il perfetto equilibrio dei suoni e delle frequenze esaltano ancora di più la fusione dei suoni cupi e bassi dei synth con le cristalline frequenze della chitarra ed i caldi suoni dei fiati, per una resa acustica finale su livelli di eccellenza. Con Enrico sono entrato in contatto poco più di un anno fa e debbo dire che la sua crescita artistica da allora è stata notevole, per me è stupefacente ascoltare come tutte le idee in embrione presente nel Cd-r "Sprawl" che mi inviò a marzo del 2002, siano poi divenuti alcuni degli splendidi brani presenti su "Grammatologia", di come la sua ricerca di una strada espressiva non si sia persa dietro all’amore della tecnologia fine a se stessa ma abbia imboccato la strada della musica, quella vera, quella che parla al cuore e ti culla quando decidi di stare solo, quando chiudi il mondo fuori di una stanza ed alzi il volume… [Carlo Camilloni] AUDIOPHILE SOUND Grammatologia si inserisce in maniera anomala nel catalogo Velut Luna. Propone infatti un programma musicale che oltre a ricorrere in modo massiccio all’elettronica, non si presta all’ascolto attento, quanto piuttosto all’utilizzo come arredo sonoro. Enrico Coniglio vaglia infatti le possibilità dell’ambient music, di una costruzione di suoni che volutamente, e non per mancanza d’inventiva, si propone come sottofondo, come umore sonico a situazioni che non spetta al musicista definire, ma che sono delegate piuttosto all’ambiente e la situazione in cui la musica verrà riprodotta. Il CD accoglie l’ascoltatore in un mondo di suoni amniotici, tutto sciabordii, fischi ornitologici e generazioni di frequenza (I corpi scuri), per poi porlo di fronte a una specie di incubatore acustico nel quale hanno luogo fenomeni di morphing sonoro (La nube purpurea). Nel resto del disco la presenza degli strumenti acustici non va oltre l’abbozzo di motivi blandi e frammentari, mentre le chitarre trattate di Coniglio e le tastiere di Marzorati stendono il loro manto sonoro, tra il rarefatto e il naif, sino al limite dell’ipnotismo dadaista dell’ostinato pianistico di Hypnopedie. Un disco di elettronica è cosa abbastanza insolita per la Velut Luna. Di fatti, le tastiere e le chitarre, che sono state manipolate, sono state registrate dallo stesso Enrico Coniglio, mentre Marco Lincetto si è occupato della registrazione degli strumenti acustici: pianoforte, sax, tromba. Lo stage presenta una notevole messa a fuoco delle sorgenti, distribuite su un fronte particolarmente largo ma non altrettanto profondo. La dinamica non è sfruttata a pieno. Gli intenti espressivi di Grammatologia sono infatti placidi e rilassanti, così la musica scorre senza mai forzare, senza mai mostrare i muscoli. Ma i contrasti tra le varie sorgenti sonore sono scultorei (si senta Blu successioni), specie quelli che stagliano i fiati rispetto al sottofondo elettronico (tromba in La nube Purpurea; sax in Hiroshima mon amour). [Daniele Cecchini] PASSAPAROLA - 2003 Interview by Luca Francioso Il più veloce e potente mezzo di trasporto, nella storia del mondo, è la musica. E il più misterioso. Nemmeno il più sofisticato degli aerei è in grado di portarci, in così breve tempo, in luoghi lontani, sognanti e così diversi nello stesso momento. Questo mese stacchiamo il biglietto per un viaggio molto suggestivo, alla scoperta di un talentuoso compositore di musica "ambient", Enrico Coniglio. L'ho incontrato nel suo studio, a Venezia, per parlare del suo primo cd, "Grammatologia", edito dalla padovana Velut Luna, e ne è venutà fuori una piacevole e arricchente chiaccherata, da cui è emersa la sua forte sensibilità e il suo amore per questo mondo musicale. Se siete pronti al decollo, dunque, allacciamo le cinture. Si parte. Come ti sei avvicinato alla musica "ambient" e quali sono i tuoi riferimenti? Ho cominciato ad apprezzare questo genere di musica grazie ad artisti come Robert Fripp e Brian Eno, anche se provengo da esperienze di rock progressive. Ad essere sincero, però, non so se realmente faccio musica "ambient", perché questo genere di musica dovrebbe "arredare" le stanze e i luoghi senza essere invadente e senza richiedere un ascolto così attento, rimanendo in sottofondo. La mia è musica di atmosfera, ma è piuttosto una ricerca sonora che richede con molta forza l'attenzione di chi ascolta. Cosa vuol dire "Grammatologia", e perché hai chiamato così il tuo disco? "Grammatologia" è un neologismo del filosofo del 900, Jacques Derrida. Questo termine definisce una ricerca poliedrica di stile in un genere specifico, una sorta di grammatica personale sul genere. Questo lavoro è un percorso molto largo sulla musica "ambient", ho sperimentato diversi stili e varie soluzioni, e mi è sembrato che "Grammatologia" fosse il titolo più adatto. Cosa cerchi di esprimere con la tua ricerca sonora? Lo scopo di una ricerca è sempre rivolta ad una crescita interiore e la mia è una ricerca molto profonda, spirituale. Cerco di esprimere le strade che sto percorrendo attraverso il genere di musica più vicina alla mia indole. La tua musica è molto emozionante. Bellissimo è anche il brano composto dal pianista Guido Marzorati, "Hypnopedie". Come nasce la sua collaborazione? Non riesco a parlare di collaborazione con Guido. Siamo nati musicalmente insieme e abbiamo condiviso tutte le nostre esperienze musicali. Ho voluto che partecipasse attivamente al progetto, proprio per questa reciprocità che ci lega. Come intendi promuovere "Grammatologia"? Non è facile promuovere la musica "ambient", sia per la difficoltà di suonarla dal vivo sia per la pigrizia con cui si ascolta la musica oggi. Cercherò di muovermi negli ambienti giusti, magari in un contesto di arte contemporanea. Staremo a vedere. [Luca Francioso] VENEWS Nel sottobosco delle autoproduzioni sono da ricercare spesso le esperienze musicali più interessanti e significative. L'unica bussola per orientarsi in questo universo è la curiosità (e, talvolta, la fortuna). Un titolo ci ha subito incuriositi: Grammatologia. In che senso un gruppo di giovani musicisti può sentirsi rappresentato dal titolo dell'opera più complessa - e tecnica - del padre del decostruzionismo, Jacques Derrida? Ascoltando il cd, che raccoglie dieci brani scritti per lo più dal chitarrista (Enrico Coniglio), la caccia ai riferimenti musicali rivela subito un legame con la musica ambient: suoni elaborati al computer che suggeriscono dimensioni spaziali più o meno ampie, atmosfere più o meno intime e ipnotiche, incursioni surreali di oggetti timbrici lungo praterie soffici di pattern minimali. Il sound è certamente accattivante, la campionatura e l'elaborazione digitale di ottimo livello. Cosa succede a questa musica una volta emersa dallo sfondo sonoro per il quale sembra concepita? Forse, la risposta alla domanda iniziale risiede in quest'altra domanda. [C. Carratelli]
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